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Apr 22, 2024

Die Grammys

Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Videos von BJ The Chicago Kid Der Neo-Soul-Sänger BJ The Chicago Kid bietet eine emotionale, akustische Darbietung von „Liquor Store in the Sky“, einer Single aus seinem kommenden Album, die ihn ehrt

Foto: Mit freundlicher Genehmigung von BJ The Chicago Kid

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Neo-Soul-Sänger BJ The Chicago Kid bietet eine emotionale, akustische Darbietung von „Liquor Store in the Sky“, einer Single aus seinem kommenden Album, das seinen verstorbenen besten Freund ehrt.

Wie viele Künstler greift BJ The Chicago Kid beim Schreiben seiner Songs oft auf persönliche Erfahrungen zurück. Einer seiner neuesten Songs ist auch einer seiner verletzlichsten: „Liquor Store in the Sky“, der die Erinnerung an Al Howard würdigt, einen besten Freund aus Kindertagen, den er auf tragische Weise bei einem Autounfall verloren hat.

In dieser Folge von Press Play liefert BJ The Chicago Kid eine reduzierte Aufführung von „Liquor Store in the Sky“. Begleitet von einem Gitarristen improvisiert er mit seinen samtigen Läufen zum Instrumental.

„Haare geflochten, aber es ist windelweich, wie es in der Bibel heißt/ Ich weiß nicht, wie du ihn nennst, aber ich nenne ihn ‚Jahwe‘/ Es haut mich um, es ist irgendwie verrückt, weil er jetzt bei Ihm ist/ Ich sehe es nicht.“ „Der Autounfall, aber ich konnte das Lied hören“, singt er in der Eröffnungsstrophe.

„Liquor Store in the Sky“ – ursprünglich eine Zusammenarbeit mit Freddie Gibbs – ist ein Titel aus dem kommenden Album von BJ The Chicago Kid, das er in Zusammenarbeit mit dem Multiplatin-Produzenten Yeti Beats über Reach the World Records produziert hat.

„Dieses Lied berührt jeden, der einen besonderen Menschen verloren hat, insbesondere diejenigen, die sich nach einem geliebten Getränk mit ihrem Lieblingsmenschen sehnen“, teilte die Neo-Soul-Sängerin GRAMMY.com mit.

Sehen Sie sich das Video oben an, um BJ The Chicago Kids ehrliche Darbietung von „Liquor Story in the Sky“ zu hören, und besuchen Sie GRAMMY.com für weitere neue Folgen von Press Play.

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Foto: Mit freundlicher Genehmigung von d4vd

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Der Alternative-Sänger d4vd bietet eine reduzierte Darbietung seiner herzzerreißenden Ballade „Romantic Homicide“, der Leadsingle seiner Debüt-EP „Petals to Thorns“.

Am Ende einer Beziehung ist es nicht immer die Trennung selbst, die am schmerzhaftesten ist – sondern die schwindende Liebe, die schließlich in Vernachlässigung, Lügen und Bitterkeit umschlägt. Und ähnlich wie der Alternative-Sänger d4vd in seinem viralen Hit „Romantic Homicide“ erzählt, bleibt beim Empfänger oft Verwirrung und Frustration zurück, die letztendlich in besiegte Apathie umschlägt.

„Es fühlt sich an, als wäre es dir egal/ Erkläre mich, mein Lieber, warum bin ich immer noch hier?/ Ich möchte mit den Entscheidungen, die du getroffen hast, nicht zufrieden sein, aber warum?“ d4vd jammert. „In meinem Hinterkopf bist du gestorben/ Und ich habe nicht einmal geweint, nein, keine einzige Träne/ Und ich habe es satt, geduldig auf jemanden zu warten, der nicht einmal ankommt.“

Sehen Sie sich in dieser Folge von Press Play an, wie dv4d eine reduzierte Aufführung von „Romantic Homicide“ liefert. Sein intensiver, roher Gesang ruft im Vergleich zur Originalaufnahme des Titels ein emotionaleres und verletzlicheres Gefühl hervor.

„Romantic Homicide“ ist die Lead-Single von dv4ds Debüt-EP „Petals to Thorns“. Auch seine zweite Single „Here With Me“ hatte in den sozialen Medien großen Erfolg.

Am 8. September wird dv4d seine zweite EP „The Lost Petals“ veröffentlichen, angeführt von seiner neuesten Single „Notes From A Wrist“. Später in diesem Monat wird er SZA auf der nächsten Etappe ihrer SOS-Nordamerika-Tour begleiten.

Sehen Sie sich das Video an, um d4vds herzzerreißende Darbietung von „Romantic Homicide“ zu hören, und besuchen Sie GRAMMY.com für weitere neue Folgen von Press Play.

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Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Nat Myers

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Der koreanisch-amerikanische Folksänger Nat Myers liefert eine schaurige Darbietung von „Ramble No More“, einem gefühlvollen Track, der vom kreativen Genie des Delta-Blues-Sängers Tommy McClennan inspiriert wurde.

Inspiriert von seiner Bewunderung für den Delta-Blues-Sänger Tommy McClennan erzählt Nat Myers in „Ramble No More“ die Geschichte eines Menschen, der rastlos verliebt ist – doch diese Liebe verläuft nicht immer reibungslos. Als ihre Beziehung zu scheitern beginnt, muss er über die üblichen Grenzen seiner Wertschätzung hinausschauen und seine Vorgehensweise ändern, um das zu retten, was noch übrig ist.

„I've been runnin', I've been ramblin'/ And I'm standin' at your door/ If you let me in now/ I won't ramble no more“, singt Myers im Refrain.

In dieser Folge von Press Play bietet Myers eine eindrucksvolle Darbietung von „Ramble No More“, bei der er nur seine charakteristische Akustikgitarre und seinen eindringlichen Gesang verwendet.

„Ramble No More“ ist ein Titel aus Myers‘ neuem Album „Yellow Peril“, das gemeinsam von Dan Auerbach von den Black Keys, der auch sein Produzent ist, und Pat McLaughlin, einem von Myers‘ Songwriting-Helden, geschrieben wurde. Er nannte das Projekt „Yellow Peril“ als Reaktion auf die asiatischen Vorurteile, die zu Beginn der Pandemie aufkamen.

Ab Oktober dieses Jahres wird Myers den Folk-Sänger und Songwriter Willie Watson auf seiner Australien-Tournee unterstützen.

Sehen Sie sich das Video oben an, um Nat Myers‘ mitreißenden Auftritt von „Ramble No More“ zu hören, und besuchen Sie GRAMMY.com für weitere neue Folgen von Press Play.

Sehen Sie sich Backstage-Interviews bei Newport Folk 2023 an: Turnpike Troubadours, Nickel Creek, M. Ward, Thee Sacred Souls und mehr

Quellbilder (im Uhrzeigersinn, LR): Raymond Boyd/Getty Images; Astrida Valigorsky/Getty Images; Kevin Winter/Getty Images für The Recording Academy; Gregory Bojorquez/Getty Images; Paul Natkin/WireImage; Anthony Barboza/Getty Images; JC Olivera/WireImage; Kevin Kane/Getty Images für die Rock and Roll Hall of Fame; Clarence Davis/NY Daily News Archive über Getty Images; Jason Koerner/Getty Images

Liste

Zu Ehren des 50. Jubiläums des Hip-Hop in diesem Jahr feiert GRAMMY.com einige der einflussreichsten Künstler des Genres über die Jahrzehnte hinweg. Von Drake bis OutKast, von Lauryn Hill bis Lil Wayne – diese Pioniere haben den Rap in den letzten 50 Jahren des Hip-Hop geprägt.

Im Kern begann Hip-Hop als freudiger Ausdruck, als Methode zur Organisation einer Basisgemeinschaft und als Möglichkeit, kreativ und frei gegen die sozioökonomischen Turbulenzen zu rebellieren, die Anfang der 70er Jahre in ganz Amerika herrschten. Der mythische Ursprung des Genres bleibt ein integraler Bestandteil der amerikanischen Geschichte: Aus dem Aufenthaltsraum von 1520 Sedgwick Avenue, einem 18-stöckigen Wohnhaus in der South Bronx, New York City, faszinierte DJ Kool Herc mit seinem Kommando das Publikum von Jung und Alt Plattenspieler auf einer Geburtstagsfeier für seine Schwester Cindy Campbell, während die MCs Theodore Puccio und Coke La Rock Reime zu Hercs Instrumentalbeats riefen.

Zwar gibt es Belege dafür, dass grundlegende Elemente des Hip-Hop schon lange vor seinem Boom auf der Party in der South Bronx entstanden sind – hören Sie sich zum Beispiel „Here Comes The Judge“ von Pigmeat Markham aus dem Jahr 1968 an –, aber dieser bedeutsame Tag, der 11. August 1973, würde dies tun wurden als Ursprung des Hip-Hop bekannt, wobei Herc zum Gründungsvater des Genres ernannt wurde.

Was als lokaler Sound und eine aufstrebende Szene in der „Boogie Down Bronx“ begann, hat sich inzwischen zu einer globalen Bewegung entwickelt. Hip-Hop ist heute eine kraftvolle, kompromisslose Kraft, die jedes Musikgenre und alle Facetten der Gesellschaft und Popkultur auf der ganzen Welt beeinflusst hat. In den letzten fünf Jahrzehnten hat sich der Sound zu einer genreübergreifenden Erfindung entwickelt. Die Party-Wohlfühlreime von „Rapper's Delight“ der Sugarhill Gang, dem ersten weltweiten Rap-Hit, ebneten den Weg für die durchdringenden sozialen Kommentare und den „Reality-Rap“, der die Hit-Single „The Message“ von Grandmaster Flash & the Furious Five beflügelte. Letzteres lässt sich auf heutige Rap-Propheten wie Kendrick Lamar und Noname zurückführen.

Während die Welt in diesem Jahr das 50-jährige Jubiläum des Hip-Hop feiert, ehrt GRAMMY.com in unserer ersten Liste „50 Künstler, die Rap verändert haben“ einige der einflussreichsten Künstler, Produzenten und Schöpfer des Genres. Mit dieser umfangreichen Liste würdigen wir die Pioniere, Urheber und Futuristen, die die Hip-Hop-Kultur geprägt, die künstlerischen Grenzen des Rap in den letzten fünf Jahrzehnten verschoben und den Sound auch in die Zukunft weiterentwickelt haben.

Um es klarzustellen: Bei dieser Liste handelt es sich weder um eine Rangliste der „besten“ Rapper noch um eine auf Abstimmungen basierende Zusammenstellung der meistverkauften Künstler im Hip-Hop. Es soll vielmehr als Überblick über einige der einflussreichsten und einflussreichsten Künstler dienen, die in den letzten 50 Jahren die Rap-Musik und die Hip-Hop-Kultur geprägt haben.

Um unsere Liste dieser 50 einflussreichen Künstler zusammenzustellen, hat GRAMMY.com ein Branchengremium aus etablierten Musikveteranen, Kultur- und Musikjournalisten, veröffentlichten Autoren und Musikhistorikern eingeladen, die gemeinsam Hunderte von Künstlervorschlägen eingereicht haben. (Die vollständige Liste der Mitwirkenden finden Sie unten.) Basierend auf diesen ersten Einreichungen unseres Branchengremiums wurden die Künstler, aus denen sich die endgültige Liste zusammensetzt, die unten in keiner Rangfolge aufgeführt ist, auf der Grundlage einer breiten, aber lockeren Reihe von Indikatoren ausgewählt: kreative und künstlerische Wirkung ; Karriereentwicklung und Langlebigkeit; klassische und einflussreiche Alben; und darüber hinaus.

Natürlich könnte keine einzige Liste jemals den gesamten Hip-Hop und seine immer größer werdende Reichweite umfassen. Auch lässt sich eine Liste einflussreicher Rapper nicht auf eine bloße Liste von 50 reduzieren. Das ist eine unmögliche Leistung. Vielmehr ist unsere Liste der 50 Künstler, die den Rap verändert haben, ein Liebesbrief an einige der prägenden Momente und einflussreichen Stimmen der Kultur, die dazu beigetragen haben, eine globale Bewegung zu schaffen, die weiterhin zukünftige Generationen aus allen Gesellschaftsschichten inspiriert und begeistert.

„Während wir uns dem 50. Jubiläum des Hip-Hop nähern, ist es wichtig, alle seine Errungenschaften und die Menschen darin anzuerkennen“, sagt Len Brown, Senior Project Manager of Awards und Rap, Reggae und R&B Genre Manager für die Recording Academy. „Was einst als vorübergehende Modeerscheinung galt, hat sich zum größten Genre der Welt entwickelt, obwohl es das jüngste ist – alles möglich gemacht durch die genialen Köpfe, die die Grenzen der Musik ständig erweitern. Es gibt unzählige Menschen, die uns so weit gebracht haben, und unzählige weitere, die es geschafft haben.“ Wir werden die Kultur auch in den nächsten 50 Jahren und darüber hinaus weitertragen.“

Es gibt noch so viel mehr über unsere geliebte Hip-Hop-Kultur zu sagen. Seine Geschichte ist reich und tiefgreifend, während seine Zukunft immer noch von den führenden Köpfen von heute und neuen, aufstrebenden Stimmen geschrieben wird, die den Rap revolutionieren. Heute bieten wir Ihnen diese Liste als Ausgangspunkt, um Hip-Hop in seiner ganzen Pracht zu feiern, da wir das ganze Jahr über 50 Jahre Hip-Hop ehren.

Entdecken Sie die Musik aller Künstler aus unserer Liste „50 Künstler, die den Rap verändert haben“ in einer exklusiven Playlist, kuratiert vom langjährigen GRAMMY.com-Mitwirkenden und Hip-Hop-Trendsetter Kevin L. Clark, auf Amazon Music, Spotify, Apple Music und Pandora.

Besuchen Sie unsere Rap-Genre-Seite für weitere exklusive Inhalte und um einige der denkwürdigsten Rap-Momente in der GRAMMY-Geschichte über die Jahrzehnte hinweg zu entdecken. Besuchen Sie weiterhin GRAMMY.com, um das ganze Jahr über weitere exklusive Inhalte zu 50 Jahren Hip-Hop zu erhalten.

— Kevin L. Clark & ​​John Ochoa

Alle mitreißenden, gewagten Elemente der Hip-Hop-Kunst – Hits von Nicki Minajs „Anaconda“ über Cardi Bs und Megan Thee Stallions „WAP“ bis hin zu Sexyy Reds „Pound Town“ – verdanken dem Miami Rap-Quartett 2 Live Crew eine beträchtliche Schuld. Als in den späten 1980er-Jahren Regionen im Westen und Süden der USA zum ersten Mal ihre Präsenz im Hip-Hop bekannt machten, stellten zwei Live-Crews – „Uncle Luke“ Campbell, der verstorbene Fresh Kid Ice, Bruder Marquis und DJ Mr. Mixx – den Tiefpunkt vor. Mit ihrer derben Single „Throw the D“ aus dem Jahr 1986 brachten sie den schweren Miami-Bass-Sound in die Kultur. Als Vorreiter einer Verbindungsparty-Atmosphäre mit von Stripperinnen beeinflussten weiblichen Bühnenkünstlern und komischem, sexuell eindeutigem Material auf „The 2 Live Crew Is What We Are“ (1986) und „Move Somethin'“ (1988) geriet die Gruppe bald mit Autoritäten in Konflikt, die ihre Alben als kategorisch betrachteten rechtlich obszön und war der erste Act, der die erste Tonaufnahme veröffentlichte, die für obszön erklärt wurde.

Als erster Act in der Musikgeschichte, der schimpfliche, „saubere“ Versionen ihrer Alben veröffentlichte, kämpften 2 Live Crew durch Rechtsstreitigkeiten für ihre Meinungsfreiheit, die schließlich zugunsten der Gruppe entschieden. In Prozessen wegen Obszönität Anfang der 90er Jahre im Zusammenhang mit dem 1989 erschienenen Hit-Album „As Nasty as They Wanna Be“ der Crew, dessen Verkauf 1990 für obszön und illegal erklärt wurde, wurde die Gruppe schließlich vom 11. Bezirksgericht der USA von den Vorwürfen freigesprochen Berufungen mit der Begründung, dass die Musik trotz ihres grafischen Inhalts künstlerischen Wert habe. Durch diese Rechtsfälle trat 2 Live Crew als der unwahrscheinlichste Verfechter der Meinungsfreiheit hervor, wobei Befürworter des Ersten Verfassungszusatzes und bedeutende Künstler, darunter David Bowie, gleichermaßen die künstlerische Freiheit und die geschützte Meinungsäußerung der Gruppe verteidigten.

Ein separater Rechtsstreit, bei dem die Gruppe wegen Urheberrechtsverletzung wegen einer von ihnen aufgenommenen Parodie auf Roy Orbisons „Oh, Pretty Woman“ verklagt wurde, gelangte vor den Obersten Gerichtshof. Das Gericht hielt die Musik für eine Parodie und stufte sie daher als faire Verwendung und nicht als Urheberrechtsverletzung ein; Dieser Fall gegen 2 Live Crew ergab letztendlich, dass eine kommerzielle Parodie unter die Fair-Use-Gesetze fällt.

Heute ermöglichen zwei Live-Crew-Alben Hip-Hop eine sexuelle Freiheit des Ausdrucks, die die Arbeit aktueller Acts von Plies bis City Girls durchdringt. — Miles Marshall Lewis

2Pac, geboren als Tupac Amaru Shakur, wurde in den Aktivismus hineingeboren; seine Mutter Afeni Shakur und sein leiblicher Vater William Garland waren beide Black Panthers. Er sagte einmal: „Ich sage nicht, dass ich die Welt verändern werde, aber ich garantiere, dass ich das Gehirn entfachen werde, das die Welt verändern wird“, ein Hip-Hop-Zitat, das darauf hindeutet, dass sein Einfluss immer noch Gehirne zur Metamorphose anregt .

Shakurs Rap-Karriere wurde von Digital Underground aus Oakland ins Leben gerufen, das ihn als Roadie und Tänzer auf Tournee nahm und mit ihm zusammenarbeitete. DUs politisch bewusster, aber dennoch parteiliebender Ethos trug dazu bei, Shakurs Edge etwas Spaß zu verleihen. Später definierte er dies als „THUG LIFE“, was für „der Hass, den du kleinen Kindern für alle gibst“, ein ewiges Hip-Hop-Mantra, das auch als ikonisches Tattoo auf seinem Oberkörper prangt und von Rappern häufig nachgeahmt wird der in seine Fußstapfen treten wollte.

Shakur, der für seine unermüdliche Arbeit im Studio bekannt ist, ahnte, dass er jung sterben würde und wollte viel zurücklassen. Zwischen 1991 und 1996 veröffentlichte er vier Alben: 2Pacalypse Now, Strictly 4 My NIGGAZ…, Me Against the World und All Eyez on Me. Er hinterließ außerdem genug Material für sieben posthume Alben – sechs Solowerke und ein Gemeinschaftsalbum mit Tha Outlawz. Während seiner gesamten Diskographie sprach er den Mächtigen die Wahrheit aus und rappte über die harten Realitäten des Hood-Lebens („Changes“), die weibliche Ermächtigung („Keep Ya Head Up“) und die ewige mütterliche Liebe („Dear Mama“). Er wusste auch, wie man eine Partyhymne hinlegt, wie man sie auf „California Love“ und „I Get Around“ hört.

Das Leben und Vermächtnis von Shakur, der 1996 getötet wurde, wird auch heute noch erforscht und geschätzt. Von seinem nie zuvor gehörten Auftritt in Kendrick Lamars Klassiker „To Pimp A Butterfly“ bis hin zu „Dear Mama“, einer gefeierten Dokumentation über seine Beziehung zu seiner Mutter, die im April auf FX Premiere feierte, wird Pacs Einfluss nie nachlassen; Seine jüngste Enthüllung eines Sterns auf dem Hollywood Walk of Fame ist ein Beweis dafür. — Tamara Palmer

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Der Einfluss des aus Queens, New York stammenden Curtis „50 Cent“ Jackson auf den Hip-Hop ist unbestreitbar – und weitreichend. Innerhalb von etwa 20 Jahren hat der Rapper fünf erfolgreiche Studioalben veröffentlicht, eine Reihe erfolgreicher Fernsehshows produziert, ein Plattenlabel, G-Unit Records, gegründet, seine eigene Cognac-Marke gegründet und war an anderen erfolgreichen Geschäftsvorhaben beteiligt . Sein Platz auf dieser Liste ist spürbar.

Vor seinem Major-Label-Debüt überschwemmten Mixtapes aus den 50er-Jahren, darunter Guess Who's Back?, die Straßen und generierten eine große Fangemeinde, die ihm zum Durchbruch verhalf. Nachdem er von Eminem entdeckt und bei Shady/Aftermath Records unter Vertrag genommen wurde, arbeitete 50 mit dem legendären Produzenten Dr. Dre zusammen, um 2003 sein Blockbuster-Debütalbum „Get Rich or Die Tryin'“ zu erstellen. Das bahnbrechende Album war ein kommerzieller Erfolg, erhielt 9x Platin und wurde dem Publikum gezeigt 50er-Jahre-Lyrik sowie seine Mainstream-Crossover-Reichweite. Die berufliche Entwicklung, das Talent und der Erfolg von 50 Cent haben unauslöschliche Spuren hinterlassen, die noch für kommende Generationen sichtbar und spürbar sein werden. – Rachel McCain

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Bestehend aus Q-Tip, dem verstorbenen Phife Dawg, dem Gelegenheitsmitglied Jarobi White und DJ Ali Shaheed Muhammad, hat A Tribe Called Quest dazu beigetragen, einen Raum für Rapper (und Rap-Hörer) mit einer Bohème-Note in ihrer Hip-Hop-Ästhetik zu schaffen. Gegründet von Highschool-Freunden aus Queens, New York, etablierte die Gruppe ihren eigenen einzigartigen Sound durch die Verwendung von Jazz- und Rock-Samples, eine Praxis, die Anfang der 1990er Jahre für Hip-Hop unorthodox war. Schon früh trugen sie dazu bei, eine Brücke zwischen Jazz und Hip-Hop zu schlagen, zwei Welten, die damals oft als weit voneinander entfernt galten. Der legendäre Jazzbassist Ron Carter war beispielsweise Gast auf dem bahnbrechenden zweiten Album von A Tribe Called Quest, The Low End Theory, und markierte damit eine der frühesten Kooperationen zwischen Jazz- und Hip-Hop-Musikern.

„People's Instinctive Travels and the Paths of Rhythm“ (1990), „The Low End Theory“ (1991) und „Midnight Marauders“ (1993) gelten weithin als Meisterwerke des Genres und etablierten A Tribe Called Quest als Außenseiter Sound- und Klangvisionäre. Das letzte Studioalbum der Gruppe, We Got It from Here…Thank You 4 Your Service (2016), enthielt Auftritte von Elton John und Jack White – ein Beispiel für den Ruf der Gruppe als genreübergreifende Pioniere des alternativen Hip-Hop.

Die afrozentrische, linksgerichtete, kulturnationalistische Ästhetik von A Tribe Called Quest zeichnete sie als Bilderstürmer aus, klare Vorfahren von Leuten wie OutKast, Kanye West, Tyler, dem Schöpfer und so vielen anderen. — Miles Marshall Lewis

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Antonio Hardy, auch bekannt als Big Daddy Kane, ist der Lieblingsrapper Ihres Lieblingsrappers – ein erfahrener Allround-Techniker mit einer unerbittlichen charismatischen Anziehungskraft. Sein tadelloser 80er-Jahre-Stil – voll mit Veloursanzügen, goldenen Accessoires und einem High-Top-Schnitt – betonte seine innovativen Reimschemata, die er aus seiner Zeit als Battle-Rapper aus Brooklyn verfeinert hatte, bevor er zusammen mit seinem Freund und Kollegen Biz mit Marley Marls Juice Crew zusammenarbeitete Markie. Seine Debütsingle „Raw“ war eine Underground-Sensation und führte einen neuen Reimstil ein: schnell und synkopisch mit komplexen Schlagzeugschemata, ohne die Artikulation zu opfern. Long Live the Kane, Kanes erstes Album, ist ein Beweis seiner erstaunlichen Talente am Mikrofon: Während „Set It Off“ seine Reihe schwindelerregender Reime mit Lokomotivgeschwindigkeit entfesselte, war „Ain't No Half-Stepping“ ein lockerer Spaziergang erweiterte Metaphern und maximierte die sanfte und gebieterische Textur seiner Stimme, während sie im Takt verweilte.

Kane war gleichzeitig ein mächtiger MC und ein Sexsymbol; Er folgte seinem „Loverman“-Appeal mit Hits wie seinem Chartstürmer „Smooth Operator“, einer entspannten und ausgefeilten Darbietung lyrischer Finesse über einer Mischung von Samples, darunter „All Night Long“ von den Mary Jane Girls, Isaac Hayes‘ „Do Your Thing“ und „Sexual Healing“ von Marvin Gaye. Kane gelang es, Schauspieler, lyrischer Attentäter und afrozentrischer Reimspucker in einem zu sein – ein Maß an Geschicklichkeit, das eine Reihe von Größen beeinflussen sollte, die ihm folgten, angefangen bei Jay-Z von Eminem über Black Thought bis hin zu Notorious BIG – Shamira Ibrahim

Chief Keef begann seine Karriere als Rap-Star Ozzy Osbourne, die sichtbarste Figur in einer aufkeimenden Szene, die ebenso aufregend wie kontrovers war. Aber im Laufe des letzten Jahrzehnts hat er sich in den Hip-Hop-Star Brian Eno verwandelt, der immer seltsamere Projekte ins Leben gerufen hat und gleichzeitig etwas behält, das dem Bekanntheitsgrad der A-Liste nahe kommt. Als Keef Anfang der 2010er Jahre dank der donnernden Singles „I Don't Like“ und „Love Sosa“ und der Unterstützung von Stars wie Kanye West und 50 Cent auftauchte, schien die Musikindustrie wild entschlossen, seine Kanten abzuschleifen. Das daraus resultierende Album, „Finally Rich“ aus dem Jahr 2012, wurde mit Platin ausgezeichnet, gab den Fans jedoch kaum einen Hinweis auf den Autorenansatz, der den Rest von Chief Keefs Karriere prägen würde.

Seitdem Keef den Mainstream-Erfolg gemieden hat, hat er seine Exzentrizität an einer Reihe exzellenter Mixtapes verfeinert, darunter Thot Breaker (2017), ein herrlich seltsames Projekt voller undeutlicher Melodien und zwitschernder Synthesizer. Als einer der wichtigsten Pioniere des Drills ist sein spürbarster Einfluss auf den Rap vielleicht in den internationalen Drill-Szenen zu hören, die in Underground-Szenen auf der ganzen Welt entstehen. Ohne Keef wäre Drill nicht das dominierende Subgenre im Rap, das es heute ist. Keef, der erst 27 Jahre alt ist, hat sich nicht nur in die Rolle des Lieblingsrappers Ihres Lieblingsrappers eingelebt, sondern auch als einer ihrer Lieblingsproduzenten: Er hat wunderbar bizarre Klanglandschaften für Lil Uzi Vert, Coi Leray und YoungBoy Never Broke Again geschaffen. – Grant Rindner

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De La Soul war für ihre Zeit völlig innovativ und läutete den Eintritt nerdiger Wunderkinder in eine Hip-Hop-Kultur ein, die damals voller Machismo und tosendem Draufgängertum war. Highschool-Freunde aus einem Vorort von Long Island, New York, Kelvin „Posdnuos“ Mercer, der verstorbene Dave „Trugoy the Dove“ Jolicoeur und Vincent Mason, alias DJ Maseo, debütierten 1988 als Teenager mit dem verbal obstruktiven „Plug Tunin'“. Das meisterhafte Debüt in voller Länge, 3 Feet High and Rising (1989), enthielt eine weitreichende Klangcollage aus gestapelten Samples und äußerst abwechslungsreichen Klangschnipseln, die Sly Stone neben Steely Dan und darüber hinaus platzierten.

Der bahnbrechende Produktionsstil führte zu einer Klage der Turtles, der Rockband der 1960er Jahre, die Lizenzgebühren für die Verwendung von 12 Sekunden ihrer Musik auf dem Album verlangte. Eine Gerichtsentscheidung zugunsten der Turtles veränderte die Sampling-Gesetze für immer, aber De La Soul hielt die Innovation in einem Katalog von Klassikern aufrecht, darunter De La Soul Is Dead, Buhloone Mindstate und Stakes Is High, das jetzt glücklicherweise für alle erhältlich ist DSPs sollen künftige Generationen inspirieren. — Miles Marshall Lewis

„Wir wollen alle wissen lassen, wo es langgeht. Es ist genau hier – ‚Yo! MTV Raps‘.“ Der dürre Typ im orangefarbenen Tanktop und der MTV-Baseballkappe, der in die Kamera rappt, war noch Jahre davon entfernt, seine eigene Sitcom zu haben, und noch mehr immer noch davon entfernt, einer der zahlungsfähigsten Filmschauspieler der Welt zu sein. Aber wenn Sie zufällig die Premierenfolge von „Yo! MTV Raps“ am 6. August 1988, konnte man eines deutlich sehen: Will Smith explodierte vom Bildschirm. Der Typ war ein Star.

Will tat sich 1985 mit dem virtuosen DJ Jazzy Jeff und dem Beatboxer der Gruppe Ready Rock C zusammen. Zur Zeit des „Yo!“ Auftritt hatten sie bereits zwei Alben auf dem Buckel, darunter He's the DJ, I'm the Rapper (1988). Diese Platte, das erste Doppelalbum des Hip-Hop überhaupt, sicherte der Gruppe ihren Platz in der Geschichte. Jeffs innovative DJ-Fähigkeiten standen bei Songs wie „Jazzy’s In The House“ und „DJ On Wheels“ im Mittelpunkt, während Will seinen Charme des Geschichtenerzählens bei „Parents Just Don't Understand“ und „A Nightmare on My Street“ einbrachte. Wills Texte waren lustig und universell – man musste nicht aus der Bronx oder gar aus West Philly kommen, um zu verstehen, dass man Angst vor Freddy Kreuger hatte. Außerdem erinnert sich Ann Carli, damals Geschäftsführerin von Jive Records, während des „Parents…“-Videodrehs, zitiert in Brian Colemans unverzichtbarem Wälzer „Check the Technique, Vol. 2, „Die Kamera liebt ihn.“

Von dort aus ging es zu den Rennen. Weitere Hits, Fernseh- und Filmstars, Sprünge aus Flugzeugen und alles andere. Aber alles begann mit einer Rap-Gruppe, die zwei Weltklasse-Talente zu einem GRAMMY-prämierten Paket vereinte, das die ganze Welt lieben konnte. – Shawn Setaro

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Clive „DJ Kool Herc“ Campbell ist ein wesentlicher Teil der Entstehungsgeschichte des Hip-Hop. Seine jüngere Schwester, Cindy Campbell, bat ihn, bei einem „Back to School Jam“ aufzutreten, den sie für den 11. August 1973 organisiert hatte, ähnlich wie die, die sie im Aufenthaltsraum 1520 Sedgwick Avenue organisiert hatte. Auf der Party, die heute als die Geburtsstunde des Hip-Hop gilt, stellte Campbell seine „Merry-Go-Round“-Plattenspieler-Methode vor, bei der er die instrumentalen Breakdowns in Funk-Platten für die anwesenden „Beat Boys“ isolierte. In den nächsten Jahren, als die Legende der Party wuchs, etablierte sich Campbell als Top-DJ in der Gegend, nicht zuletzt dank eines riesigen Soundsystems, das er baute, und der Anwesenheit von Helfern – Tänzern, jungen MCs und DJs. Sicherheit – genannt Herculoids, benannt nach dem Hanna-Barbera-Cartoon. Im Jahr 1977 wurde Herc in einem örtlichen Nachtclub Opfer einer Messerstecherei. Bronx-Pioniere gehen davon aus, dass dieser Vorfall das Ende seiner Dominanz bedeutete und es seinen Rivalen ermöglichte, ihn zu überholen. DJ Kool Herc bleibt jedoch eine prometheische Figur, die den Beginn dessen darstellte, was später als Hip-Hop bekannt wurde. Er ist der ultimative Grund, warum wir dieses Jahr alle 50 Jahre Hip-Hop feiern. Im November wird er in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. — Mosi Reeves

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Weniger als 20 Jahre nach dem Stromausfall in New York City im Jahr 1977, bei dem schwarze Jugendliche in allen Bezirken von New York City auf DJ-Equipment stießen und Wege fanden, Technologie zur Verwirklichung ihrer Träume zu nutzen, erschien ein Mann namens Robert Earl Davis Jr., auch bekannt als DJ Screw nutzte zwei Plattenspieler, um seine künstlerischen Träume zu verwirklichen und gleichzeitig Houston zu einer Rap-Hauptstadt zu machen. Als DJ Screw in den 1990er Jahren auftauchte, waren der vorherrschende Rap-Sound und die DJ-Technik auf die Ost- und Westküste ausgerichtet. Aber als DJ Screw seinen „Chopped and Screwed“-Stil vorstellte, seine charakteristische DJ-Technik, die Platten verlangsamte, um Taschen für den Fluss der Beats zu schaffen, öffneten sich für Rapper in ganz Houston neue Möglichkeiten, sich dem Kreis anzuschließen.

Er schuf ein Kaleidoskop, ein lila getöntes Portal, durch das Rapper aus dem Süden durch Regionen und Zeiten reisten, um ihre Geschichten zu erzählen. Es gab keine Straße oder Allee in Houston oder im Süden, in der nicht von einem nahegelegenen Auto oder einem Fenster aus das Hacken und Schrauben zu hören war. Er gab Houston und dem Süden die Möglichkeit, im ausgelassenen Lärm des bicoastalen Hip-Hop gehört zu werden. In den 23 Jahren seit seinem Tod wurde sein abgehackter und abgedrehter Sound von den größten Entertainern der Welt verwendet – der Horrorautor Jordan Peele hat abgehackte und abgeschraubte Sounds in Szenen und Trailern für Erfolgsfilme wie „Nope and Us“ verwendet – und damit einen Einstiegspunkt geschaffen Houston soll weltweite kulturelle und musikalische Erfolge erzielen. Alles wegen eines Mannes und seiner Plattenspieler. – Taylor Crumpton

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In den frühen 80er Jahren machte sich Douglas „Doug E. Fresh“ Davis einen Namen als Vocal-Percussion- oder „Beatboxing“-Spieler und nahm einige 12-Zoll-Singles auf, während er mit Künstlern wie Kurtis Blow und anderen zusammenarbeitete. 1984 rekrutierte er einen jugendlichen MC, Ricky „Slick Rick“ Walters, für Doug E. Fresh und die Get Fresh Crew. 1985 veröffentlichte die Gruppe „The Show / La-Di-Da-Di“, ein mit Gold ausgezeichnetes 12-Zoll-Album, das sowohl Freshs Talent als Zeremonienmeister als auch Ricks unvergesslich britisch geprägte Stimme und seine schlauen, witzigen Texte hervorhob.

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Nachdem sie getrennte Wege gegangen waren, hatten die beiden in den ersten Jahren des goldenen Rap-Zeitalters weiterhin einen großen Einfluss. Doug E. Fresh, einer der größten Hip-Hop-Entertainer, landete in den nächsten Jahren mehrere Hits, darunter das spirituell inspirierte „All the Way to Heaven“ (1986), den Anti-Drogen-Protest „Nuthin‘“ und „I-Ight“. (Okay)“ (1993). Slick Ricks Talent zum Geschichtenerzählen und der Einsatz falscher Gesangsharmonien, wie er auf seinem Platin-Soloalbum The Great Adventures of Slick Rick zum Ausdruck kommt, machten ihn zu einem großen Einfluss auf nachfolgende Generationen von Rappern. In diesem Jahr erhielt er einen Recording Academy Lifetime Achievement Award. — Mosi Reeves

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Der in Compton, Kalifornien, als Andre Young geborene Dr. Dre ist einer der maßgeblichen und Maßstäbe setzenden Pioniere des Hip-Hop. Heute ist Dr. Dre ein erfahrener DJ, Künstler und Produzent. Seine öffentliche Geschichte begann in den 80er Jahren als Mitglied zweier sehr unterschiedlicher, einflussreicher LA-Gruppen: der Electro-Stars World Class Wreckin' Cru und der Gangster-Rap-Ikonen NWA; Letzteres ist das Thema eines beliebten Biopics aus dem Jahr 2015, „Straight Outta Compton“, und brachte Dre internationale Anerkennung ein, weil er die Realität und die Kämpfe des innerstädtischen Straßenlebens in den amerikanischen Mainstream gebracht hat.

Dr. Dre nahm 1994 den ersten seiner bisher sieben GRAMMY-Gewinner mit nach Hause. In diesem Jahr gewann er den GRAMMY für die beste Rap-Solo-Performance für „Let Me Ride“ von The Chronic, sein bahnbrechendes, dreifach mit Platin ausgezeichnetes Album, das gerade erschienen ist Seit seiner Veröffentlichung feiert er jedes Jahr die offiziellen internationalen Dre-Day-Feierlichkeiten und hat dazu beigetragen, die Cannabiskultur auf der ganzen Welt zu normalisieren. Weitere goldene Grammophone folgten für seine Arbeit mit Eminem und Anderson .Paak, außerdem wurde er für seine Produktionen für Kendrick Lamar, 2Pac, 50 Cent, Gwen Stefani und mehr nominiert.

Dr. Dres Gespür für Musik hat ihm auch dabei geholfen, ein milliardenschwerer Unternehmer zu werden. Im Jahr 2006 gründeten er und sein enger Geschäftspartner, der Interscope-Labelchef Jimmy Iovine, Beats Electronics, um Beats By Dre-Kopfhörer zu verkaufen, die schnell Stil- und Verkaufstrends im Bereich der Audiotechnologie setzten. Acht Jahre später erwarb Apple Beats für angeblich 3 Milliarden US-Dollar. Aber da sein GOAT-Status gesichert war, gab Dre damit noch nicht auf. Im Laufe der Jahre hat er dazu beigetragen, die Zukunft für die nächste Generation von Musikgeistern zu gestalten. Er eröffnete eine Magnetschule im historischen Leimert Park in South Central und war Mitbegründer der Jimmy Iovine and Andre Young Academy an der University of Southern California. Bei den GRAMMYs 2023 erhielt Dre den ersten Dr. Dre Global Impact Award für seine Innovationen und Erfolge im Laufe seiner jahrzehntelangen Karriere. — Tamara Palmer

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Wer hätte gedacht, dass ein Schauspieler aus dem Großen Weißen Norden einmal zu einer der größten Ikonen der Popkultur der Welt werden würde? Drakes Rolle in der beliebten kanadischen Teenager-Dramaserie „Degrassi: The Next Generation“ war einfach der Startschuss für eine Musikkarriere, die nicht nur die kanadisch-amerikanischen Grenzen überschreiten würde, sondern auch die wahre Universalität des Hip-Hop demonstrieren würde. Sein charakteristischer R&B-Gesang, der über melodischen Rap-Beats schmolz, begann mit seinem bahnbrechenden Mixtape So Far Gone (2009) und stoppte die Gangstermentalität, die Ende der 2000er Jahre den Hip-Hop beherrschte.

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Von da an stieg Drake mit Klassikern wie Take Care (2011) und If You're Reading This It's Too Late (2015) zum weltweiten Rap-Spitzenreiter auf. Und obwohl es nicht sein am meisten gefeiertes Album war, bewiesen der kommerzielle und internationale Erfolg seines Blockbusters „Views“ aus dem Jahr 2016, gepaart mit einem aufregenden Ausflug in die Dancehall- und Afrobeats-Szene, dass er Hip-Hop in verschiedene Bereiche rund um den Globus bringen konnte. Er perfektionierte seine Formel – eine Mischung aus tränenreichen Gefühlen, kokettem Loverboy-Charme, prahlerischer Haltung, viralen Einzeilern und der Fähigkeit, sich an verschiedene kulturelle Klänge anzupassen – und verwandelte sie in Gold- und Platin-Erfolg. Vom derzeitigen Rekordhalter für die meisten Top-10-Hits in den Billboard Hot 100 bis zum Aufbau seines OVO-Music-Imperiums hält Drake die Mainstream-Branche bis heute in seiner Hand. – Bianca Gracie

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Mit seiner farbenfrohen „Sprache“ und seiner vollendeten Coolness hat E-40 MCs auf der ganzen Welt beeinflusst. Der Rapper, geboren als Earl Stevens, baute sein Label Sick Wid It durch unabhängige Plattenverkäufe auf, ein Geschäft, das er von seinem Onkel, dem Soulsänger Saint Charles Thurman, erlernte, der die erste Vertriebsfirma für schwarze Musik in der Bay Area gründete.

Diese unabhängige Strategie inspirierte gleichgesinnte Künstler, dem Weg von E-40 zu folgen: Millionen auf der Straße und in den Vorstandsetagen zu verdienen. Vor allem Labels wie Cash Money Records und No Limit Records in New Orleans gaben ihm grundlegende Unterstützung; Master P startete seine No Limit Records in einem Plattenladen in Richmond, Kalifornien, bevor er in den Süden zurückkehrte. Nach der Unterzeichnung bei Jive Records veröffentlichte E-40 eine beeindruckende Diskographie, die drei Gold-Alben und ein Platin-Album umfasst.

In den letzten Jahren baute E-40 sein künstlerisches Können weiter aus, veröffentlichte Songs und tourte als ein Viertel der Rap-Supergroup Mount Westmore neben Too $hort, Ice Cube und Snoop Dogg. Er hat diesen unabhängigen Eifer genutzt, um eigene Unternehmen aufzubauen, um alkoholische Spirituosen und Lebensmittel zu verkaufen, die heute in Spirituosengeschäften, Lebensmittelmärkten und großen Läden wie Costco erhältlich sind. Sein Debüt-Kochbuch „Goons With Spoons“, das er gemeinsam mit Snoop Dogg erstellt hat, erscheint im November.

Als gemeinschaftsorientierter Philanthrop gibt E-40 seinen Gemeinden seit langem etwas zurück. Im Jahr 2023 spendete er 100.000 US-Dollar an die Grambling University, die er besuchte, um auf dem Campus das Earl „E-40“ Stevens Sound Recording Studio einzurichten. Und sein Do-it-yourself-Ethos ist auch heute noch bei anderen Rappern aus der Bay Area, darunter LaRussell und Larry June, und der nächsten Generation von MCs zu sehen. — Tamara Palmer

Die Karriere von Eminem, geboren als Marshall Bruce Mathers III, ist beispiellos. Die beiden größten Rap-Alben in der amerikanischen Geschichte stammen beide von ihm. Von den 20 Rap-Alben mit den höchsten Verkaufszahlen in der ersten Woche hat er sechs. Er ist der meistverkaufte Rapper aller Zeiten und der meistverkaufte Künstler aller Art in den 2000er Jahren.

Aber Verkäufe sind nur der Anfang der Geschichte. Ende der 1990er und Anfang der 2000er Jahre war Eminem für einige Jahre das Zentrum der Popkultur. Seine Lieder und Possen lösten hitzige Debatten aus, die noch mehr Lieder und noch mehr Possen hervorbrachten, in einer Rückkopplungsschleife, die so groß wurde, dass sie schließlich ein immer noch kraftvolles Duett von Elton John und Em the GRAMMYs beinhaltete. Eminem brachte den Sänger mit zu seinem Auftritt bei der GRAMMY-Verleihung 2001 als stillschweigende Antwort auf die Vorwürfe der Homophobie, die ihn verfolgten, seit er zum ersten Mal mit kontroversen Texten in den Mainstream einstieg.

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Eminem war jedoch immer mehr als kontrovers. Während seine Verkäufe, wie er als Erster zugab, durch seine Rasse gesteigert wurden, stand sein Können nie in Frage. Seine überaus technischen Raps dienten einer fesselnden Lebensgeschichte. Bevor er sich über die Reaktion von Reportern und Politikern auf seine umstrittenen Raps reimte, spuckte er aus, dass er am „Tiefpunkt“ sei – deprimiert, hoffnungslos und darum kämpfend, über die Runden zu kommen. Wenn es etwas gäbe, mit dem sich Fans aller Herkunft identifizieren könnten, dann wäre es „nicht nachgeben“. – Shawn Setaro

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Als eines der größten Hip-Hop-Duos aller Zeiten symbolisierte das Long-Island-Duo Eric B. & Rakim Hip-Hop-Musik in ihrer raffiniertesten Form. Dank seiner Aufnahmen Ende der 80er Jahre mit DJ/Produzent „Eric B.“ Barrier, William „Rakim“ Griffin wird oft als der größte MC aller Zeiten bezeichnet. Seine entspannte Gesangspräsenz, der subtile Einsatz der Five Percenter Nation-Lehren, sein Können beim Geschichtenerzählen und seine Fähigkeit, komplexe Ideen in zugängliche Texte zu verweben, wurden von unzähligen anderen nachgeahmt. Paid in Full, das Debütalbum des Duos aus dem Jahr 1987, gilt als wesentliches Artefakt des goldenen Hip-Hop-Zeitalters der späten 80er und ist vollgepackt mit Hits wie „Eric B. Is President“, „My Melody“ und „I Know You Got Soul“ – was die Verwendung von James Brown-Samples in Rap-Platten populär machte – und „Move the Crowd“.

Ihr zweites Album, Follow the Leader (1988), markierte einen neuen Höhepunkt in Rakims lyrischen Fähigkeiten, während Let the Rhythm Hit 'Em (1990) eines der am meisten erwarteten Alben dieser Ära war. Bevor sich die Gruppe trennte und Rakim eine Solokarriere startete, veröffentlichten sie Don't Sweat the Technique, das durch seine Verwendung im Fernsehen und in Filmen kürzlich neue Popularität erlangte. — Mosi Reeves

Atlanta erlebte in den 2010er Jahren einen großen Aufschwung – und Future war führend. Als Mitglied der Dungeon-Familie hat er mit Auto-Tune eine trostlose Version des Trap-Blues kreiert, während er über Sucht, Depression, manipulative Beziehungen und Kummer trällert. Er festigte sein Vermächtnis im Jahr 2015, als er eine Reihe von Projekten auf den Markt brachte: die Mixtapes „Beast Mode“ und „56 Nights“, das schnittige DS2-Album und das kollaborative Mixtape „What a Time to Be Alive“ mit Drake, das die brillante Chemie zwischen Future und ihm hervorhob Die aktuellen Titanen des Rap. Der Ansturm der Musik wirbelte eine dunkle Wolke über das Rap-Genre und gab männlichen Rappern grünes Licht, ebenso emotional wie rachsüchtig zu sein. Die heiße Phase von Future hält bis heute an: Er experimentiert mit neuen Genres, darunter Popstar-Kollaborationen mit Ariana Grande und Taylor Swift; produziert Hits, zuletzt das GRAMMY-prämierte „Wait For U“ mit Musikpartner Drake; und trägt immer noch selbstbewusst sein gebrochenes Herz auf der Zunge. – Bianca Gracie

Als einer von vielen, die dem DJ Kool Herc folgten, ist Joseph „Grandmaster Flash“ Saddler ein wichtiger Innovator in der DJ-Kunst, insbesondere in der Art und Weise, wie er Platten mischte und das Scratchen erweiterte, eine Technik, die erstmals von Grand Wizzard Theodore erfunden wurde. In den späten 1970er Jahren stellte er die Crew von MCs zusammen, aus denen die Furious Five wurden und die später mehrere klassische Hip-Hop-Platten veröffentlichten: Keith „Cowboy“ Wiggins, dem die erste Verwendung des Ausdrucks „Hip-Hop“ zugeschrieben wird ,“ Melvin „Melle Mel“ Glover, Mels Bruder Kidd Creole, Guy „Raheim“ Williams und Eddie „Scorpio“ Morris.

1979 nahm die Gruppe „Superrappin‘“ auf, das viele als die erste „echte“ Hip-Hop-Platte aus der Bronx betrachten. Anschließend veröffentlichten sie mehrere beliebte 12-Zoll-Songs, die ihren Höhepunkt in „The Message“ (1982) fanden, einem Wendepunkt in der Entwicklung des Rap zu einer vollwertigen Musikkunstform. In der Zwischenzeit schuf Grandmaster Flash „The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel“, eine Präsentation seiner historischen DJ-Fähigkeiten, die als erste Turntablism-Platte gilt. Im Jahr 2007 wurde Grandmaster Flash & the Furious Five als erste Hip-Hop-Gruppe in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. Im Jahr 2021 erhielt die Gruppe einen Recording Academy Lifetime Achievement Award. — Mosi Reeves

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Obwohl Tracy „Ice-T“ Morrow nicht der erste Rapper aus LA war, der einen Song über das Straßenleben schrieb – er bevorzugt den Begriff „Reality-Rap“ anstelle des gängigen Spitznamens „Gangsta-Rap“, war er wohl der wichtigste. Nach einigen Jahren in der Elektroszene, die durch einen Auftritt im Film Breakin' von 1984 gekennzeichnet waren, hatte Ice-Ts „6 in the Mornin'“, eine lebendige Geschichte über einen jungen Stricher, der Drogen schmuggelt und der Polizei aus dem Weg geht, einen großen lokalen Einfluss; Es beeinflusst Rap-Künstler bis heute. 1987 war er der erste Rapper an der Westküste, der mit dem Gold-zertifizierten Album Rhyme Pays ein Album auf einem Major-Label veröffentlichte. Zur Zeit seines zweiten Albums Power (1988) galt Ice-T weithin als der beste Solo-Rapper an der Westküste, während er mit The Iceberg (Freedom of Speech..Just Watch What You Say) (1989) expandierte Gesellschaftskommentar und Hardrock-Experimente. Sein viertes Album, OG Original Gangster (1992), stellte Body Count vor, eine bahnbrechende Heavy-Metal-/Rap-Band, die den Aufstieg des Rap-Rock vorhersagte. — Mosi Reeves

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James Yancey aus Detroit, auch bekannt als J Dilla, ist in Klang und Reim unnachahmlich und wird auf der ganzen Welt als „Lieblingsproduzent Ihres Lieblingsproduzenten“ respektiert. Als beliebter und hochgeschätzter Songwriter, Produzent, Rapper und Schlagzeuger hat er im Laufe der Jahrzehnte und bis heute großen Einfluss auf einige der vielfältigsten Stimmen des Hip-Hop.

Als Mitglied von Slum Village spielte Dilla in aller Stille Beats aus dem Keller seiner Mutter für Stücke wie A Tribe Called Quest („Find A Way“), Erykah Badu („Didn't Cha Know“) und MF DOOM („Gazzillion Ear“) ") und unzählige andere. Zahlreiche Ehrungen auf Tracks und in Konzerten sowie von Gruppen wie NxWorries (bestehend aus Anderson .Paak und Knxwledge), Fernsehprogrammen (Adult Swim von Cartoon Network) und Institutionen (Smithsonian's National Museum of African American History and Culture) erinnern an seinen bedeutenden Beitrag zu dieser Sache, die wir lieben, nämlich Hip-Hop.

J Dilla gilt als einer der größten Kreativen in der Hip-Hop-Geschichte und nutzte Klang und Vorstellungskraft auf innovative Weise, indem er Echtzeit-Rhythmen einsetzte, die sich für die Zuhörer besser als „Stimmung“ übersetzen lassen. Er ist direkt dafür verantwortlich, die Seele und den Klang zu verbinden, die Rap als eine der einfallsreichsten Kunstformen der jüngeren Geschichte auszeichnen. Dillas Vermächtnis ist der Beweis dafür, dass seine energiegeladenen Beats zu seinen Reimen passten, und inspiriert und findet auch heute noch in der Hip-Hop-Community Anklang, und anlässlich des runden Jubiläums des Hip-Hop erweisen sich auch seine Innovationen und sein Einfluss als unsterblich. — Kevin L. Clark

Der in Brooklyn, New York, als Shawn Corey Carter geborene Jay-Z hat über drei Jahrzehnte hinweg die Hip-Hop-Kultur unauslöschlich geprägt, indem er lyrische Kreativität der Superlative mit ausgeprägtem Geschäftssinn verband. Als Miteigentümer und Top-Künstler des unabhängigen Labels Roc-a-Fella Records stürmte Jay-Z die Tore der Plattenindustrie und veröffentlichte das bahnbrechende Werk Reasonable Doubt – ein Debüt, das ihn sofort zu einem der Top-Rapper der 1990er Jahre machte. Ein konsistenter Veröffentlichungsplan mit unvergesslichem Material, einschließlich Vol. 2…Hard Knock Life, The Blueprint, The Black Album und 4:44 schufen Sommerklassiker für eine ganze Generation und etablierten ihn gleichzeitig als einen der größten Rapper, die die Kultur je hervorgebracht hat.

Jay-Z nimmt als milliardenschwerer Mogul und Rapper, der immer wieder als einer der talentiertesten dieser Kunstform aller Zeiten gilt, eine einzigartige Stellung im Hip-Hop ein. Seine Beteiligungen an verschiedenen unternehmerischen Unternehmungen – der Musik-Streaming-Plattform Tidal; die Unterhaltungsagentur Roc Nation; Die Sportlounge des 40/40 Clubs zeugt ebenso von seinem Vermächtnis wie seine einmalige Rivalität mit Nas, die zum bislang berüchtigtsten Kampf zwischen lebenden MCs im Hip-Hop führte. Seine Ehe mit Beyoncé Knowles-Carter, einer der bekanntesten Popkünstlerinnen der Neuzeit, hat auch künstlerische Beiträge hervorgebracht – siehe ihr gemeinsames Album „Everything Is Love“ – und ist ein dauerhaftes Symbol für schwarze Exzellenz. — Miles Marshall Lewis

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Jermaine Dupri, der Sohn des berühmten Musikmanagers Micheal Mauldin, hat als Produzent, Songwriter und Manager zum Hip-Hop beigetragen. Am wichtigsten ist, dass die GRAMMY-Gewinnerin, die begann, für Größen wie Diana Ross und Whodini zu tanzen, dazu beitrug, Atlanta zur Rap-Hauptstadt zu machen, die es heute ist.

Als Gründer von So So Def Records trug Dupri dazu bei, Kris Kross und Lil Bow Wow zu erfolgreichen Teenager-Herzensbrechern in einem Musikgenre zu machen, das eher auf erwachsenen Persönlichkeiten beruhte; Er trug auch maßgeblich dazu bei, dass Da Brat als erste Rapperin Platin erhielt. Noch heute führte seine Zeit als ausführender Produzent der Reality-Wettbewerbsserie „The Rap Game“ schließlich zum Aufstieg des Next-Gen-Rappers Latto. Dabei sind Kollaborationen, die nahezu jeden Bereich des Hip-Hop erreicht haben, noch nicht einmal eingerechnet, darunter Klassiker mit Jay-Z, UGK, Bone Thugs-N-Harmony, Snoop Dogg und mehr.

Dupris Vermächtnis im Hip-Hop ist auch in der musikalischen Brücke zwischen Rap und R&B zu hören. Er hat Hitalben für Mariah Carey, Usher, Xscape, Jagged Edge und unzählige andere geschrieben und produziert und seine Beiträge festigen die Verbindung zwischen den beiden Genres. — Ural Garrett

Wo fangen wir überhaupt an? Von der Produktion einiger der großartigsten Rap-Songs der 2000er Jahre als Jay-Zs Schützling bis hin zu seinem Aufstieg zu einem der kritischsten und kommerziell erfolgreichsten Rapper aller Zeiten könnte Kanye West der wichtigste Musiker des 21. Jahrhunderts sein – Genre spielt dabei keine Rolle. Seine Fähigkeit, zwischen prägnanten Kommentaren („All Falls Down“, „Heard 'Em Say“), beispielloser Angeberei („Can't Tell Me Nothing“, „Power“) und ironischem Humor („Gorgeous“, „ Otis") machte jede seiner Strophen zu einem Ereignis, und seine Blockbuster-Alben bewiesen stets ein fachmännisches Gespür für die Zusammenstellung von Talenten. Als West Anfang der 2010er-Jahre den harten Übergang vom Maximalismus seines Magnum-Werks My Beautiful Dark Twisted Fantasy (2010) zur industriellen Brutalität von Yeezus (2013) vollzog, zeigte er die Art von Furchtlosigkeit, die wirklich große Künstler besitzen. als er trotz der Skepsis weiterhin Grenzen verschob.

Die letzten Jahre des Kanye-West-Erlebnisses waren für viele Musikfans schwierig und verstörend. Er hat Adolf Hitler gelobt und antisemitische Bemerkungen gemacht, nur um dann scheinbar alles zurückzunehmen, wenn auch auf trollige Art und Weise. Als Generationentalent, das sein kreatives Erbe auf mehr als eine Weise weiterentwickelt hat, ist Wests Einfluss auf die Musik klar und unbestreitbar. Hat er sich vom Bilderstürmer der Branche zum absoluten Ausreißer entwickelt? Wessen Geschichte soll es erzählen? Aber jeder Versuch, sich mit dem ersten halben Jahrhundert der Hip-Hop-Geschichte und der Musik im Allgemeinen auseinanderzusetzen, muss einen Bezug zu Kanye enthalten, dessen DNA mindestens in den nächsten 50 Jahren in der Rap-Musik präsent sein wird. – Grant Rindner

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Rückblickend könnte man Kendrick Lamars berühmten Vers über „Kontrolle“ eher als Manifest denn als Aufruf zum Krieg beschreiben. Nachdem er fast ein Dutzend der angesagtesten Rapper seiner Zeit, darunter Drake und J. Cole, namentlich genannt hat, stellt Lamar die Frage: „Was ist Wettbewerb? Ich möchte die Messlatte höher legen. Wer versucht, zu springen und sie zu holen?“ Zehn Jahre und eine legendäre Karriere später wirken Lamars dreiminütige Reime weniger wie ein weit verbreiteter Diss, sondern eher wie eine Absichtserklärung.

Der gebürtige Comptoner erreichte Höhen, die Hip-Hop noch nie zuvor gesehen hatte. Im Jahr 2018 gewann der 17-fache GRAMMY-Gewinner den Pulitzer-Preis für DAMN., eine Leistung, die einst als „ein Wendepunkt … und ein Zeichen dafür, dass die amerikanische Kulturelite Hip-Hop als legitimes künstlerisches Medium anerkennt“ beschrieben wurde.

Doch trotz solch bedeutsamer Beiträge zum Genre und zur Kultur im Allgemeinen regt die Feststellung von Lamars direktem Einfluss auf Hip-Hop wirklich zum Nachdenken an. Vielleicht liegt diese Schwierigkeit daran, dass Lamar vor allem in seiner Fähigkeit großartig ist, die besten Eigenschaften seiner Vorfahren zu vereinen. Ob es darum geht, die erzählerische Superkraft von Nas in Good Kid, mAAd City, den kraftvollen sozialen Kommentar von 2Pac in To Pimp A Butterfly oder die Verletzlichkeit von Jay-Z in Tracks wie „Mother I Sober“, Lamars größtem Einfluss auf die Hip-Hop-Szene, zu kanalisieren. Hop ist vielleicht nur die Tatsache, dass er die Messlatte für den Rap tatsächlich hoch gelegt hat und gleichzeitig diejenigen verkörperte, die den Grundstein gelegt haben. — Taj Mayfield

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Kurtis „Blow“ Walker war ein Vorreiter des internationalen Erfolgs des Hip-Hop und der erste Superstar des Genres. Zu seinen bemerkenswerten Erfolgen gehört, dass er der erste Rapper war, der einen Major-Label-Vertrag (mit Mercury Records) unterzeichnete, und der erste, der mit seiner Single „The Breaks“ aus dem Jahr 1980, die als einer der größten Hip-Hop-Songs überhaupt gilt, Gold erhielt Zeit und bleibt seine Visitenkarte.

Blows enormer Einfluss auf die Kultur hängt direkt mit seiner Fähigkeit zusammen, die Grenzen des Hip-Hop zu erweitern und Talente innerhalb und außerhalb seiner kreativen Kreise zu fördern. Sein erster DJ auf Tour war Joseph Simmons, der den Spitznamen „Run, der Sohn von Kurtis Blow“ trug und später seine eigene ikonische Karriere machte, als ein Drittel des Hip-Hop-Trios Run-DMC Blow und Run-DMC die Hauptrolle spielten der Film Krush Groove aus dem Jahr 1985, eine fiktive Geschichte, die der des New Yorker Labels Def Jam Recordings ähnelt und Kurtis Blow praktisch zum ersten berühmten Hip-Hop-Gesicht macht, das nach Hollywood wechselt.

Mitte der 90er Jahre wurde Blow Radio-DJ und moderierte „The Old School Show“ beim Radiosender Power 106 in Los Angeles. Außerdem wurde er zum christlichen Pfarrer geweiht, war Mitbegründer der Hip-Hop-Kirche und veröffentlichte basierte Alben mit seiner Gruppe Kurtis Blow and the Trinity. Blows spirituell inspirierte Musik bewies, dass Hip-Hop mit Gospel koexistieren kann, und trug dazu bei, das Publikum für christliche Musik über Genres und Zielgruppen hinweg zu erweitern. — Tamara Palmer

Mit einem Stift in der Hand, einem Lied im Herzen und einer Geschichte, die sie erzählen konnte, steigerte Frau Lauryn Hill den Hip-Hop in den 90er-Jahren zum Besseren. Hills Arbeit verwischt gekonnt die Grenzen zwischen den Genres und verbindet oft Harmonien mit Doo-Wop-Anklängen und R&B der 70er Jahre mit Hip-Hop-Prahlerei und der Leichtigkeit von Neo-Soul. Die gebürtige Jerseyerin und Mitglied der legendären Rap-Gruppe The Fugees wurde nach dem internationalen Durchbruch ihres Debüt-Soloalbums The Miseducation of Lauryn Hill (1998) ein bekannter Name. Im Rahmen des Projekts erkundet der Musiker Themen wie Liebe, Herzschmerz und Familie aus einer persönlichen Perspektive mit universeller Wirkung. Das Album war weltweit ein kommerzieller und kritischer Erfolg und gewann 1999 den GRAMMY für das Album des Jahres. Damit war Hill der erste Rap-Künstler überhaupt, der diese Kategorie gewann. Bis heute zählt sie acht GRAMMYs, mehr als jede andere Frau im Hip-Hop.

Hills melodische Rap-Technik und künstlerische Vielseitigkeit haben in den vergangenen Jahren Acts aller Genres inspiriert, von Drake bis Lin-Manuel Miranda, die mehrere Elemente in seinem Broadway-Hit „Hamilton“ auf ihre Kunst zurückführt. – J'na Jefferson

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Lassen Sie sich nicht von ihrer zierlichen Statur täuschen: Lil' Kim ist seit ihrem Debüt 1994 als Mitglied von Junior MAFIA und Mentee von Notorious BIG überlebensgroß. Die gebürtige Brooklynerin hat mit ihrem Debüt-Soloalbum 1996 eine neue Stufe für weiblichen Rap gesetzt Harter Kern. Noch bevor die Welt das Album hörte, signalisierte ihre verführerische Pose auf dem Cover selbst einen Wandel: Es war Zeit für Frauen, die Führung zu übernehmen. Hitsingles wie „No Time“, „Crush on You“ und „Not Tonight (Ladies Night Remix)“ prägten die charakteristischen schlüpfrigen Texte und den kehligen Ton der Rapperin und stellten das männerdominierte, oft frauenfeindliche Genre auf den Kopf, als sie ihre Sexualität zurückeroberte . Sie weiß auch, wie man sich Respekt verschafft, indem sie zusammen mit ihren männlichen Kollegen wilde Takte auf Songs wie „It's All About the Benjamins“ von Diddy und „Quiet Storm (Remix)“ von Mobb Deep spuckt.

Lil' Kim ist eine echte Hip-Hop-Ikone und ihr Einfluss erstreckt sich über Generationen und Branchen. Als Muse für unzählige aufstrebende weibliche Rapstars und Designer wie Versace und Marc Jacobs hat sie einen sicheren Raum für schwarze Frauen in der oft exklusiven, von Weißen und Männern dominierten Mode- und Musikbranche geschaffen. Ihre modischen Entscheidungen, die ebenso umwerfend sind wie ihre frechen Reime, geben Rapperinnen der nächsten Generation wie Baby Tate, GloRilla und Cardi B das Selbstvertrauen, das gleiche Gefühl der sexuellen Befreiung auszustrahlen, das sie in den 90er-Jahren als Pionierin im Rap etablierte . Ihr Weg sowohl in der Musik als auch in der Mode hat sie zu einer der einflussreichsten Rap-Stimmen mit einem unbestreitbaren Erbe gemacht. – Bianca Gracie

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Obwohl Lil Uzi Vert eine relativ neue Hauptakteurin in der Branche ist, ist sie unbestreitbar eine treibende Kraft im Hip-Hop. Wenn dieser Einfluss schwer zu bestimmen ist, dann deshalb, weil Uzi es irgendwie geschafft hat, dass die Existenz eines schrulligen, emotionalen, vom Rock inspirierten Rappers im Jahr 2023 alltäglich geworden ist.

Ähnlich wie andere Breakout-Stars der SoundCloud-Rap-Ära, die sie erfunden haben, darunter Lil Peep, XXXTentacion und Juice WRLD, brachte Lil Uzi Vert ihr unverfälschtes Selbst in ihre Musik ein. Das Ergebnis? Ein stetiger Strom stimmungsvoller, genreübergreifender Hits und tiefgreifender Schnitte. Von Hymnen wie „XO TOUR Lif3“ (2017) bis hin zu „Rehab“, einem herausragenden Track aus ihrem kürzlich veröffentlichten Pink Tape, trägt der 27-jährige gebürtige Philadelphianer stets sein Herz und seine Inspirationen auf der Zunge. Jahrelange hochwertige Musik gepaart mit ihrer unerschütterlichen Authentizität haben den Horizont des Hip-Hop für immer erweitert und den Weg für viele zukünftige Lil Uzi Verts geebnet. — Taj Mayfield

Es gibt zwei unterscheidbare Epochen in der Rap-Geschichte: vor Tha Carter und nach Tha Carter. Lil Wayne, deren Einfluss auf die Entwicklung des Genres unermesslich ist, hat Rap zu seltenen Höhen geführt und seinen Einfluss im und aus dem Süden für immer verändert. Mit einer unbestreitbaren und fast unüberwindlichen Arbeitsmoral hat der gebürtige Sohn von New Orleans über Jahrzehnte hinweg unzählige unvergessliche Momente geschaffen. Von seinen atemberaubenden Auftritten mit den Hot Boys von Cash Money über seine chartsdezimierenden Hits wie „A Milli“ bis hin zu seiner genrebestimmenden Tha-Carter-Albumreihe hat Weezy F. seinem Ruf als „Bester Rapper der Welt“ alle Ehre gemacht Jahrzehnte.

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Mit einer tiefen Wertschätzung für die Kultur brachte Wayne eine Schicht Intuition und Vorstellungskraft mit, die den Rap auf die nächste Ebene brachte. Mit einer Stärke, die härter ist als nigerianisches Haar, ist sein Eindruck in jeder Ära des modernen Hip-Hop zu hören, von seinem eigenen musikalischen Stammbaum mit Young Money (Drake, Nicki Minaj) bis hin zu Superstars der nächsten Generation (Kendrick Lamar, J. Cole).

Außerweltlich, vielfältig und ein allgegenwärtiger Einfluss in der heutigen Szene: Lil Wayne war ein Segen für den Rap, indem er das Spiel konsequent voranbrachte und die Kultur auf unermessliche Weise wachsen ließ. — Kevin L. Clark

Es gab Rap-Alben vor LL Cool J's Radio. Aber das Genre war immer noch größtenteils von Singles geprägt, und die Alben waren damals meist vollgestopft mit Hits, etwas Füller und ein paar einzigartigen Experimenten. Es war Radio, das das Rap-Album in ein Kunstwerk verwandelte und das goldene Zeitalter des Genres einleitete.

LL war äußerst vielseitig. Er veröffentlichte ikonische Singles wie „I Need a Beat“ und „Rock the Bells“. Seine genreverändernden Musikvideos wie „Around the Way Girl“, „Hey Lover“ und der bahnbrechende Klassiker „I Need Love“ erweiterten die männerdominierte Branche. Und sein atemberaubender Auftritt im Film Krush Groove trug dazu bei, den jungen MC in einen König von Queens zu verwandeln.

Er setzte auch einen weiteren Trend: das „Don't call it a Comeback“-Comeback. Nach der Veröffentlichung von zwei Killeralben ließ LL 1989 „Walking With A Panther“ fallen. Obwohl es ein kommerzieller Erfolg war, wurde „Panther“ zu dieser Zeit von Hip-Hop-Künstlern und Fans wegen seiner Mainstream-Crossover-Attraktivität gemieden, und LL wurde von der Band als überholt eingestuft Hip-Hop-Community, ohne Kontakt zu einer bewussten, afrozentrischen Zeit dieser Zeit. Kaum in seinen Zwanzigern schien seine Zeit abgelaufen zu sein. Und dann erlebte er das erste große Comeback der Rap-Musik – trotz lyrischer Proteste. „Mama Said Knock You Out“ war eine Rückkehr zur alten Form, die LL Cool J den Weg für eine lebenslange Karriere in der Musik, im Fernsehen, in Filmen und sogar in dem skurrilen Lied über seinen Haifischflossen-ähnlichen Hut bereitete. – Shawn Setaro

Dank Songs wie „Thizzelle Dance“ und „Feelin‘ Myself“ war der Vallejo-Rapper Andre „Mac Dre“ Hicks der Rattenfänger von Hyphy, einer Innovation, die sich durch schwungvolle Bässe und hüpfende Funk-Rhythmen auszeichnete. Es dominierte die Bay Area in den 2000er Jahren und ist nach wie vor ein wichtiger Bestandteil der unverwechselbaren Hip-Hop-Szene der Region.

Die Karriere von Mac Dre reicht bis ins Jahr 1989 mit dem lokalen Hit „Too Hard for the F-in' Radio“ zurück. Doch in einem Fall, der landesweit Schlagzeilen machte, wurde er wegen angeblicher Beteiligung an Banküberfällen verhaftet und verurteilt – seine Unterstützer beteuern weiterhin seine Unschuld – und wurde mit Back N Da Hood der erste Rapper, der im Gefängnis Musik machte. (Er nahm seinen Gesang am Telefon auf.) Als er Ende der 90er Jahre endlich zum Rap zurückkehrte, begann er, seinen eigenwilligen Stil zu verfeinern, indem er P-Funk-Töne und einen drolligen und witzigen Gesangston verwendete. Dieser Stil, der in Songs wie „Get Stupid“ und „Not My Job“ zum Ausdruck kam, erschütterte schließlich die Welt und führte zur Gründung und Popularisierung der Hyphy-Bewegung.

Den Höhepunkt und großen Erfolg seiner Musik, die schließlich im Fernsehen und Film sowie bei Sportveranstaltungen Verwendung fand, konnte Mac Dre leider nicht miterleben. Sein unaufgeklärter Mord im Jahr 2004 ereignete sich zu einem Zeitpunkt, als er kurz vor einem landesweiten Durchbruch zu stehen schien. — Mosi Reeves

In der Geschichte des Hip-Hop wimmelt es von großartigen Geschäftsleuten, aber es kommt selten vor, dass sich jemandes Scharfsinn in der Vorstandsetage als so stark erwiesen hat, dass seine Serie von Multiplatin-Alben und Hit-Singles völlig zweitrangig wirkt. Dies ist der Fall bei Master P, dem gebürtigen New Orleanser, der No Limit Records gründete und zusammen mit Cash Moneys Geschwisterduo Bryan „Birdman“ und Ronald „Slim“ Williams das Paradigma des Rap-Moguls für immer veränderte. Im Jahr 1995 ging P eine Partnerschaft mit No Limit und Priority Records ein, bei der er im Gegenzug für mehr kreative Kontrolle und Back-End-Gewinne die Hauptlast der kreativen Kosten übernahm.

Als MC gelang ihm der Durchbruch mit „Ice Cream Man“ und „Ghetto D“, Alben, die eher als Vorzeigeobjekte für das No-Limit-Kollektiv als für P selbst dienten. Master P überließ die auffälligeren Rollen und das technische Gespür an Kollaborateure wie Silkk the Shocker, Mia No Limit hat sich zu einem Unternehmen entwickelt, in dem Pioniere wie Mia an Meister P. – Grant Rindner

Obwohl sie vielleicht nicht immer die Fanfare ihrer Mainstream-Kollegen erhält, veränderte MC Sha-Rock das Hip-Hop-Ökosystem für immer, als sie Ende der 70er Jahre an den Stand kam. Sha-Rock, bekannt als die „Mutter des Mikrofons“, gilt weitgehend als die erste Rapperin und hat dazu beigetragen, den Weg für jede Rapperin auf dieser Liste – und darüber hinaus – zu ebnen. Obwohl sie B-Girl-Abstammung hat, stellte die in der South Bronx aufgewachsene Spießerin ihr rohes Talent und Selbstvertrauen hinter dem Mikrofon unter Beweis. Als Mitglied von Funky 4+1 legten ihr natürliches Charisma und ihre Fähigkeiten den Grundstein für die Zukunft der Frauen im Rap. Obwohl Funky 4+1 die erste Hip-Hop-Gruppe war, die im nationalen Fernsehen auftrat, gelang den Rapperinnen erst in den 80er-Jahren der Durchbruch auf internationaler Ebene. Man kann Sha-Rock dafür danken, dass sie als erster diese Tür geöffnet, die gläserne Decke durchbrochen und einen Gender-Durchbruch eingeläutet haben, der Frauen dabei geholfen hat, heute den Rap zu dominieren. – J'na Jefferson

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Ganz gleich, ob die Fans MF DOOM oder Pseudonyme wie Viktor Vaughn oder King Gedorah hörten, der als Rapper und Produzent geborene Dumile Daniel Thompson bot einige der denkwürdigsten Kunstwerke, die es im Hip-Hop gibt.

Dumile stammt aus London und wurde nach Long Island, New York, verpflanzt. Er begann seine Karriere als Zev Love X und gründete mit seinem Bruder DJ Subroc die Gruppe KMD. Doch nach Subrocs plötzlichem Tod und der Weigerung ihrer Plattenfirma, ihr Album zu veröffentlichen, legten Zev Love Er erstellte einen umfangreichen Katalog, der von Comics, Cartoons und den Absurditäten und Alltäglichkeiten des Lebens inspiriert war, und schuf Welten voller lebendiger Wortspiele. Seine heisere Stimme, sein Gesprächsfluss und seine unglaublich komplizierten Reimschemata bildeten seine Visitenkarte, zusammen mit ebenso absurden Anspielungen und unvorhersehbaren Pointen.

DOOM erlangte in den frühen 2000er-Jahren einen Ruf unter den besten Indie-Raps, doch mit „Madvillainy“ wurde er zum Rap-Gott, dem Album, das ihn geschickt mit der Sammlung langweiliger Jazz- und TV-Samples des Produzenten Madlib zusammenbrachte, die ebenso sprunghaft waren. Die Platte steigerte die Ikonographie von DOOM und festigte ihn als einen der markantesten Rap-Schöpfer aller Zeiten, dem Fans und andere MCs gleichermaßen Respekt zollen. — William E. Ketchum

In den späten 90ern war Dünnheit „in“ und hypersexualisierte Rapperinnen waren an der Tagesordnung. Aber eine große Frau mit großem Talent – ​​und einem noch größeren aufblasbaren Anzug aus Lackleder – schlich sich ein, um diese Industriestandards auszulöschen, und wurde dabei zur Volkschampion und unbestrittenen Ikone. Missy Elliotts erfreulich ausgefallene Tapferkeit zeichnet sich durch aufsehenerregend kreative Musikvideos aus, wie das bereits erwähnte, zum Star werdende „The Rain (Supa Dupa Fly)“, unterhaltsame Darbietungstechniken und Beats der nächsten Generation, die von ihr und ihr kreiert wurden langjähriger Freund und Landsmann aus Virginia, Timbaland. Sie hat Kunstwerke geschaffen, die die Zeit überdauert haben und es ihr ermöglichen, ihre Blumen zu sehen und zu empfangen, während sie sie noch riechen kann: Während der GRAMMY Week 2023 erhielt Missy den Recording Academy Global Impact Award bei den Recording Academy Honors Presented By The Black Musikkollektivveranstaltung; Später in diesem Jahr wird sie als erste Rapperin in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. Indem sie Grenzen auflöste, ebnete Missy Elliott den Weg für Hip-Hop-Künstler, kompromisslos sie selbst zu sein. – J'na Jefferson

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Die Gangsta-Rap-Pioniere NWA, die als „gefährlichste Gruppe der Welt“ bezeichnet werden, machten Compton, Kalifornien, Ende der 80er Jahre mit ihrer provokanten Musik und einem Namen, der ihre unerschütterliche Tapferkeit verkörperte, bekannt: N—z With Attitudes.

Zu dieser Zeit dominierten Acts wie Public Enemy, Kool Moe Dee, LL Cool J und Eric B. & Rakim den Äther mit Liedern über alles, von Liebe, Party und lyrischem Können bis hin zu Rasse und Politik. Allerdings waren nur wenige so übermäßig explizit und provokant wie die aufstrebenden Stars von der Westküste, die die Branche mit der Veröffentlichung ihres knallharten Debütalbums Straight Outta Compton im Jahr 1988 aufmischten.

Mit einem gestapelten Line-up, bestehend aus Eazy-E, Dr. Dre, DJ Yella, Ice Cube und MC Ren, rappten die Einheimischen aus LA über Bandengewalt, Polizeibrutalität, Straßenleben und Hood-Erlebnisse. Ihnen wurde vorgeworfen, Frauen zu erniedrigen und Gewalt und Drogenkonsum zu verherrlichen, und während ihre Musik weiterhin Kontroversen hervorruft, da Hip-Hop-Texte in Gerichtsverfahren heute Gegenstand von Debatten sind, findet NWAs provokantes Debüt bis heute bei neuen Generationen von Fans Anklang. Während die Gruppe Millionen von Platten verkaufte und drei Superstar-Solo-Acts hervorbrachte, festigten ihr zeitloses Album und ihre definitive Protesthymne „F-tha Police“ ihren Platz im Pantheon des Hip-Hop und veränderten die Kultur und Kultur für immer die ganze Welt mit seiner kraftvollen Botschaft. Das emotional aufgeladene Lied bietet eine vernichtende Kritik an systemischer Ungleichheit, die die Frustration widerspiegelt, die marginalisierte Gemeinschaften wegen der Diskriminierung nutzen, der sie Jahrzehnte nach der Veröffentlichung des Titels weiterhin ausgesetzt sind.

Während ihre Amtszeit nur von kurzer Dauer war, inspirierte die paradigmenwechselnde Musik der NWA eine Reihe von Acts, die der Kultur ihren eigenen Stempel aufdrückten, darunter 2Pac, Snoop Dogg, Eminem, The Game und DJ Quik. – Desiree Bowie

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Als langjähriges Mitglied der Top-5-Rapper aller Zeiten aller Hip-Hop-Liebhaber erbte Nas mit der Veröffentlichung seines Debütalbums „Illmatic“ im Jahr 1994 die Krone der größten Rap-Wortschöpfer des Goldenen Zeitalters, was dazu beitrug, den fast 30-jährigen hervorragenden Ruf der Legende als MC zu etablieren . Nasir bin Olu Dara Jones, Sohn des Jazz-Kornettisten Olu Dara, wuchs in den Queensbridge-Wohnprojekten in Queens, New York, auf, wo auch andere Hip-Hop-Größen wie Roxanne Shanté und Produzentin Marley Marl lebten. In einer Zeit, in der die Hip-Hop-Ästhetik für immer an die Westküste verlagert zu sein schien, half Nas dabei, die Aufmerksamkeit wieder auf New York City zu lenken, den Geburtsort der Kultur.

Nach den Morden an 2Pac und Notorious BIG wurden Bedenken laut, als eine schon lange schwelende Rivalität zwischen Nas und Jay-Z in Dissidententiteln wie „Ether“ (2001) und „Takeover“ (2001) an die Öffentlichkeit ging. Entgegen den schlimmsten Erwartungen entwickelte sich aus ihrem Wortgefecht schließlich sowohl eine berufliche Beziehung – Nas unterschrieb 2006 bei Def Jam mit Jay-Z als damaligem Präsidenten des Labels – als auch eine kreative Bindung, wobei das Duo einen gemeinsamen Song veröffentlichte: „Black“. Republikaner“ im Jahr 2007). Im Rahmen einer kürzlichen Reihe von Kooperationen mit dem Produzenten Hit-Boy – darunter dem GRAMMY-prämierten King’s Disease (2020) – hat Nas dazu beigetragen, die Erwartungen an die Langlebigkeit einer Karriere im Hip-Hop zu ändern. — Miles Marshall Lewis

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The Neptunes – das Produktionsduo, das vom Genie Pharrell Williams und Chad Hugo angetrieben wird – veränderte den Sound des Hip-Hop der späten 90er und frühen 2000er Jahre und gab dabei den Anstoß und transformierte die Karrieren unzähliger Künstler in allen erdenklichen Genres .

Nachdem sie mit dem New-Jack-Swing-Pionier Teddy Riley angefangen hatten, machten sich die Neptunes einen Namen, indem sie „Superthug“ von NORE und „Got Your Money“ von Ol' Dirty Bastard sowie Alben für Clipse und Kelis produzierten.

Der Beginn ihrer Hip-Hop-Übernahme lässt sich vielleicht auf das Jahr 2000 zurückführen, als sie Jay-Zs „I Just Wanna Love U (Give It 2 ​​Me)“ produzierten. Der Song mit Pharrells einprägsamer Stimme am Haken wurde Hovs erster Nr.-1-Hit in den Billboard Hot R&B/Hip-Hop-Charts.

Der Hit erregte auch die Aufmerksamkeit von Britney Spears und veranlasste sie, das Duo aus Virginia Beach mit dem Schreiben und Produzieren von „I'm A Slave 4 U“ zu beauftragen, was einen großen Wendepunkt in ihrem reifen, neuen Sound markierte. Die Neptunes halfen Justin Timberlake auch bei der Entwicklung eines neuen Sounds und Bildes und produzierten einen Großteil seines Debüt-Soloalbums Justified.

Der ungewöhnliche, von Funk beeinflusste Sound des Duos machte sie für viele Jahre zu gefragten – und vielfach imitierten – Produzenten. Zu ihren 2000er-Hits zählen „Hot in Herre“ von Nelly, „Drop It Like It's Hot“ von Snoop Dogg, „Money Maker“ von Ludacris und „Milkshake“ von Kelis. Pharrell trug auch dazu bei, die Ära einzuläuten, in der Produzenten in den Vordergrund des Rampenlichts traten, Lieder rappten und sangen und in Musikvideos für die von ihnen produzierten Künstler auftraten.

Mit vier GRAMMY-Gewinnen gewann das Paar 2003 den Preis „Produzent des Jahres“ und 2009 den Preis „Produzent des Jahrzehnts“ bei den Billboard R&B/Hip-Hop Awards. Im Jahr 2022 wurden die Neptunes in die Songwriters Hall of Fame aufgenommen, eine Auszeichnung, die beweist, wie sehr sie den Klang der Kultur und Musik insgesamt verändert haben. – Victoria Moorwood

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Nicki Minaj hat die Regeln des Hip-Hop durch ihre beispiellosen Reimfähigkeiten, ein Arsenal an Flows, eine Sammlung charaktervoller Stimmen und ihren Crossover-Erfolg neu geschrieben. Dadurch hat sie in den 2010er-Jahren im Alleingang den weiblichen Rap in den Mainstream gebracht. Ihre Regierungszeit fiel in eine Zeit, als Hip-Hop noch als männerdominiertes Terrain galt. Nichtsdestotrotz bewies sie, dass Rapperinnen mit den Jungs mithalten können, auch wenn sie diese regelmäßig an Können übertraf. Ihre genreübergreifenden Hits stellen ihre Vielseitigkeit unter Beweis, und ihre Talente als Autorin und Performerin machen sie zu einem der gefragtesten Stücke in der Musikbranche. Sie ging nicht nur Risiken ein, sie machte auch Hits: Mit 132 Einträgen hält Nicki Minaj den Rekord für die meisten Billboard Hot 100-Hits einer Rapperin. Dank Nicki Minaj – oder Nicki Lewinsky, Nicki the Ninja, Sie wissen schon, was es ist – fasste eine neue Generation weiblicher Rap-Superstars den Mut, ihre eigene Magie zu entfalten. – J'na Jefferson

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Christopher „Biggie Smalls“ Wallace, auch bekannt als Notorious BIG, ist ein Titan in der Hip-Hop-Geschichte, ein Wortschmied, dessen lyrische Kraft durch die Kürze seiner Karriere noch gesteigert wird. Wallaces Ernsthaftigkeit – in seiner körperlichen Statur und seinem Ruf – strafte seine Jugend Lügen; Als jamaikanisch-amerikanischer Abstammung, der auf dem Höhepunkt der Crack-Ära im Brooklyner Stadtteil Clinton Hill an der Grenze zu Bedford-Stuyvesant aufwuchs, bewegte er sich in seinen frühen Jahren an der Grenze zwischen Zivilleben und Straßenleben und brachte diese Komplexität in sein Songwriting und sein lebendiges Geschichtenerzählen ein . Unter der Anleitung von Sean Combs – der damals den Spitznamen Puff Daddy trug – entwickelte sich Wallace schnell vom „Unsigned Hype“ im The Source-Magazin zum Starkünstler von Bad Boy und stürmte 1994 mit seinem Debütalbum „Ready to Die“ in die Charts gerade mal 21 Jahre alt.

Das Album ist eine Mischung aus massiven, radiotauglichen Singles mit quasi-autografischen, introspektiven Platten, die durch ihre emotionale Bandbreite und Liebe zum Detail überzeugen: Für jedes „Juicy“, „Big Poppa“ und „One More Chance“ gibt es etwas „Warnung“, „Gimme the Loot“ und „Selbstmordgedanken“. In jedem Stück spielte Biggie nach Belieben mit der Morphologie von Wörtern und Reimkadenzen, streckte Vokale und verdichtete sie zu einem stakkatoartigen Vortrag mit der Geschicklichkeit eines Jazzmusikers. Wallaces filmischer Ansatz beim Rappen wurde zu seinem Markenzeichen. In diesem Sinne gründete er die Crew Junior MAFIA und schuf Platten wie „Get Money“ und „Player’s Anthem“ – ebenso unterhaltsame wie anschauliche Lieder, die der Welt auch die Naturgewalt von Lil‘ Kim näher brachten.

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Sein posthumes zweites Album mit dem ahnungsvollen Titel „Life After Death“ (1997) ist ein umfangreiches Doppelalbum voller Gangster-Epen wie „Somebody’s Gotta Die“, „N—s Bleed“ und „What’s Beef?“ Sechzehn Tage nach seiner Ermordung im Jahr 1997 erschienen Biggies Mainstream-Crossover-Singles wie eine Flutwelle. Die Hit-Singles „Mo‘ Money, Mo‘ Problems“ und „Hypnotize“ brachten die patentierte Bad-Boys-Formel des renommierten Hitmen-Produktionsteams in die Stratosphäre und inspirierten schließlich Leute wie Kanye West und andere dazu, Soul-Samples zu beschleunigen ähnlichen Erfolg zu erzielen. Wallaces eigener Gesang – schwer und üppig, mit der Fähigkeit, wie Butter durch eine Kaskade interner Reimschemata zu gleiten – klingt auch heute noch so frisch wie damals, als das Projekt am 25. März zum ersten Mal mit großem Beifall der Kritiker veröffentlicht wurde. Und trotz der tragischen Coda, die ihn einschnitt So kurz das Leben dieses Königs aus Kings County dauert, bleibt die Erzählkunst des Notorious BIG ewig. – Shamira Ibrahim

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Als André 3000 von OutKast bei den Source Awards 1995 stolz verkündete: „Der Süden hat etwas zu sagen“, hatten der Rapper aus Atlanta und sein kreativer Partner Big Boi keine Ahnung, welche Bedeutung diese Worte für die heutige Rap-Musik haben würden. Zum Zeitpunkt ihres Debüts Southernplayalisticadillacmuzik im Jahr 1994 galt der Süden als Land, „rückständig“ und hinter der Zeit zurückgeblieben. Diese Worte, ein Hinweis, könnten von weißen und ländlichen Gemeinden falsch interpretiert worden sein, dass diese Künstler und ihre Regionen nicht als „Hip-Hop“ galten. Hip-Hop war cool, küstennah und kosmopolitisch – kein Country. Dennoch störte es André 3000 und Big Boi nicht, als Land betrachtet zu werden; Tatsächlich haben sie es angenommen.

Ihre Musik und der Southern-Hip-Hop insgesamt enthielten die Stilrichtungen von Blues und Gospel. Ihre Darbietung hatte einen besonderen Reiz. Sie waren nicht hier, um Ostküsten- oder Westküsten-Hip-Hop zu duplizieren. Sie hatten die Mission, jungen schwarzen Menschen aus der Arbeiterklasse im Süden etwas zu sagen. Obwohl sie in Atlanta ansässig sind, haben ihre Perspektiven und Überlegungen zum Leben der Schwarzen im Süden in den Staaten der gesamten Region Wurzeln geschlagen. Schließlich wurden sie zu den Anführern der südlichen Hip-Hop-Szene. Als das Duo bei den GRAMMYs 2004 den GRAMMY für das Album des Jahres für Speakerboxxx/The Love Below gewann – fast zehn Jahre nach ihrer Auszeichnung bei den Source Awards – wurde der Süden nicht nur im Hip-Hop respektiert, sondern auch wurde ein Anwärter auf seinen rechtmäßigen Titel. – Taylor Crumpton

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Public Enemy ist eine der tiefgreifendsten und produktivsten Gruppen in der Geschichte des Hip-Hop und wird weiterhin erforscht und auf Momente angewendet, die auch heute noch Einfluss auf Musik und Kultur haben. Als sich Chuck D und Flava Flav mit Terminator Ihr Boom verschmolz mit dem Trubel der Straßen und zeigte die Gründe auf, warum die Hip-Hop-Kultur nicht nur gefördert, sondern geschätzt werden sollte – ohne zuzulassen, dass die Geschichte gelöscht oder überarbeitet wird.

Die Mitglieder hinterließen ihre Spuren im damals aufkeimenden Sound aus Amerika. Von der Produktion des dreifach mit Platin ausgezeichneten Albums „Poison“ von Bel Biv Devoe bis hin zur Mitarbeit an einem der prägenden Hip-Hop-Alben der 1990er-Jahre: „AmeriKKKa's Most Wanted, Public Enemy“ von Ice Cube hat sich im Laufe der Zeit als nachdenklich stimmende und Funken auslösende Revolutionäre des Klangs erwiesen Das fordert die Leute immer noch heraus, zu wissen, dass laut nicht genug ist. — Kevin L. Clark

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Die Langlebigkeit und künstlerische Kreativität der Roots haben den Hip-Hop nachhaltig beeinflusst. Illadelphs Mitglieder sind Vorreiter des Genres, Pioniere eines unverwechselbaren, alternativen Sounds, der Rap mit Live-Instrumenten, bewussten Texten und Jazz-beeinflussten Beats kombiniert.

Die Roots haben keine Angst davor, wichtige Themen anzusprechen und gesellschaftliche Normen in Frage zu stellen: Das Video zu ihrem Song „What They Do“ aus ihrem dritten Album Illadelph Halflife macht sich über Stereotypen der Musikindustrie lustig. Ihr erfolgreichstes Album, Things Fall Apart, ist eine Anspielung auf Chinua Achebes gleichnamiges, von der Kritik gefeiertes Buch. Das Album hatte ursprünglich fünf verschiedene Cover, eines davon zeigt Teenager, die während der Ära der Bürgerrechtsbewegung vor der Polizei flüchteten. Das klare Schwarz-Weiß-Bild sorgte zusammen mit den Themen des Albums für einen künstlerischen Zusammenhalt und eine politische Eindringlichkeit, die die wirkungsvolle Botschaft der Gruppe festigte.

Insgesamt haben die Roots 14 Studioalben auf dem Konto. Abgesehen von der Musik umfasst die Karriereentwicklung der Gruppe verschiedene Unternehmungen, darunter Verlagswesen (die kommenden Memoiren von Black Thought, The Upcycled Self), Musikfestivals (das jährliche Roots Picnic Festival) und Film (Questloves GRAMMY-prämierter Summer of Soul). Ganz zu schweigen vom Mainstream-Fernsehen: The Roots bleiben auch bis spät in die Nacht als Hausband für NBCs „The Tonight Show with Jimmy Fallon“ bestehen. Der einzigartige Sound der Gruppe und ihr Ausdruck dringender Probleme festigen die Legendary Roots Crew als wichtige Game-Changer. – Rachel McCain

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Historisch gesehen wurde Hip-Hop immer als Jugendsportart gefeiert – und vielleicht verkörpert niemand diesen Archetyp besser als Roxanne Shanté aus Queensbridge. Mit nur 14 Jahren leitete das aufstrebende Mitglied der Juice Crew eine der ersten Hip-Hop-Rap-Gruppen und reagierte auf „Roxanne Roxanne“ der UTFO (Untouchable Force Organization) mit dem sengenden „Roxanne's Revenge“. Während UTFO die Saga einer Frau schilderte, die ihre Annäherungsversuche ablehnte, entgegnete Shanté mit einer scharf konstruierten Gegenerzählung, indem sie eine Geschichte aus der Sicht von Roxanne frei gestaltete, die von ungeeigneten Verehrern belästigt wurde, die im Vergleich zu ihren MC-Fähigkeiten verblassten.

Während die ersten Reaktionen sie berühmt machten, war es ihre unerschütterliche Fähigkeit, sich in der Flut der Reaktionen zu behaupten, die ihr Vermächtnis als Battle-Rapperin und Aufnahmekünstlerin festigen würde. Titel wie „Queen of Rox (Shanté Rox On)“ und „Bite This“ würden ihre Siegesserie gegen UTFO und die Schar von Gegnern verlängern, die sich an die Seite stellten, als die Stadt darum kämpfte, von der sogenannten „Roxanne“ zu profitieren Kriege.“ Als KRS-One sie in „The Bridge is Over“ brutal angriff – in dem er erklärte: „Roxanne Shanté ist nur zum regelmäßigen Ficken gut“ – widerlegte sie in „Have a Nice Day“: „Geht zurück, Bauern, macht das alles kaputt.“ Junk/Sonst steht BDP für Broken Down Punks/Weil ich ein All-Star bin, genau wie Julius Erving/Und Roxanne Shanté ist nur für stetiges Servieren gut.“ Shanté war nicht nur in der Lage, die Jungs in ihrem eigenen Spiel zu schlagen, sondern legte dabei auch Wert darauf, ihre frauenfeindlichen Angriffe in Verlegenheit zu bringen. Dieses Vermächtnis prägte ihren Einfluss auf den Rap noch weiter und spiegelte sich im Laufe der Jahrhunderte in Größen wie Megan Thee Stallion und Noname wider. In Nicki Minajs Single „Roman's Revenge“ aus dem Jahr 2010 fand sie sogar einen spirituellen Namensvetter. — Shamira Ibrahim

Mit zwei MCs (Joseph Simmons, alias Run, und Darryl McDaniels, alias DMC), einem DJ (Jason Mizell, alias Jam Master Jay) und jeder Menge Adidas wurde Run-DMC zu einer der frühesten Musikrichtungen und Stilrichtungen des Hip-Hop Botschafter in der Welt. Es dauerte nur wenige Jahre nach ihrem Debüt im Jahr 1984, bis Fans auf der ganzen Welt von ihrer New Yorker Heimatstadt Hollis, Queens, erfuhren.

1986 arbeitete Run-DMC mit Aerosmith an einer neuen Version des 1975 erschienenen Stücks „Walk This Way“ der Bostoner Rockband. Die unerwartete, bahnbrechende Paarung wurde zum Nr. 4-Hit der Billboard Hot 100-Charts. MTV hat das Musikvideo des Songs, in dem die beiden Gruppen buchstäblich Mauern einreißen, in intensiver Rotation gezeigt und die Rapper als die genreübergreifenden Superhelden positioniert, als die sie auch heute noch gelten, wie ihre Aufnahme in die GRAMMY Hall of Fame beweist.

Bevor es bei den GRAMMYs Hip-Hop-Kategorien gab, wurde Run-DMC für ihr 1986 erschienenes Album Raising Hell bei den GRAMMYs für die beste R&B-Performance eines Duos oder einer Gruppe mit Gesang nominiert. Nach der Veröffentlichung von sieben Alben und der Hauptrolle in den bahnbrechenden Hip-Hop-Filmen „Krush Groove“ und „Tougher Than Leather“ erhielten Run-DMC als erste Rapper den Lifetime Achievement Award der Recording Academy, eine Auszeichnung, die ihnen im Jahr 2016 verliehen wurde.

Nachdem die Welt jahrzehntelang darauf bestanden hatte, dass Hip-Hop eine Modeerscheinung sei, die verschwinden würde, wurde der natürliche Lauf von Run-DMC abgebrochen, als Jam Master Jay im Oktober 2002 in seinem Aufnahmestudio in Queens, New York, getötet wurde. Unvorhergesehene Gewalt haben das physische Leben der Band verkürzt, aber Run-DMC bleibt eine unsterbliche Stütze im Pantheon der Hip-Hop-Geschichte, eine Blaupause für unzählige Rap-Tandems und ein wesentlicher Teil der Kultur. — Tamara Palmer

Wenn es um dieses Rap-Spiel geht, gibt es niemanden, der mit Scarface vergleichbar ist. Als Innovator in Rap-Subgenres wie Horrorcore und Gangsta Rap ist er einer der ergreifendsten Geschichtenerzähler und Pioniere des Hip-Hop. Sowohl als Mitglied der legendären Geto Boys – einer der erfolgreichsten Southern-Hip-Hop-Gruppen zu einer Zeit, als sich das Rampenlicht auf Ost- und Westküsten-Rap konzentrierte – als auch als Solokünstler erwies er sich als letzter Meister aussterbende Gattung. Seine Signature-Songs, wie „I Seen a Die“ vom Fünf-Mikrofon-Klassiker „The Diary“, der von der Quelle zertifiziert wurde, bewiesen den Zuhörern, dass es im Rap mehr Ebenen und Tiefen zu erleben gibt.

Als sowohl kommerzieller Chartstürmer – sein Album „The Untouchable“ aus dem Jahr 1997 erreichte Platz 1 der Billboard 200-Charts – als auch das Ohr der Straßen im ganzen Land trug Scarface dazu bei, Houston als zertifizierte Rap-Hauptstadt und frühe Brutstätte für innovative Independent-Platten zu etablieren Etiketten. „Face ist bei Fans, Hip-Hop-Studenten und Kritikern gleichermaßen beliebt und hat gezeigt, was es bedeutet, ein Gesamtwerk zu schaffen, das seine Vorgänger vorbildlich übertrifft.“ Er ist einer der Besten darin, die Stimmung innerhalb der Melodie in Bewegung zu bringen. Neben seinen mit Platin und Gold ausgezeichneten Albumerfolgen zeichnete er sich auch dadurch aus, dass er Geschäftssinn mit künstlerischer Vision verband: Als Präsident von Def Jam South in den frühen 2000er Jahren trug er dazu bei, die Karriere von Ludacris und anderen aufstrebenden Südstaaten-Rappern voranzutreiben. Heute erreicht sein anhaltender Einfluss moderne Veteranen wie The Game und Stars der nächsten Generation wie Isaiah Rashad gleichermaßen. — Kevin L. Clark

Nur wenige Musikkünstler haben die Vielseitigkeit und die jahrzehntelange Karriereentwicklung des produktiven Multihyphenats Snoop Dogg unter Beweis gestellt. Der aus Long Beach, Kalifornien, stammende Rapper begann seine Rap-Karriere 1992, als sein Stiefbruder Warren G, bekannt durch „Regulate“, Dr. Dre eines seiner Mixtapes schenkte. Direkt nach seiner Zeit bei NWA erkannte Dre das Potenzial des jungen Rappers und lud ihn zu einem Vorsprechen ins Studio ein – wo er Songs für The Chronic aufnahm. Snoop nutzte den Moment und siegte: Er war auf elf Titeln des klassischen Albums zu hören, darunter auf der überaus erfolgreichen Single „Nuthin‘ but a ‚G‘ Thang“, die ihn in den Mainstream katapultieren sollte.

Jahrzehnte später ist der einflussreiche Rapper immer noch erfolgreich und hat weltweit mehr als 37 Millionen Alben verkauft sowie 19 Studioalben und unzählige genreübergreifende Kollaborationen veröffentlicht. Snoops entspannte Persönlichkeit und sein unverwechselbarer Westküsten-Slang sind zu Markenzeichen seiner Musikkarriere geworden. Seine Ausweitung auf andere geschäftliche und künstlerische Aktivitäten, zu denen Filme, Fast-Food-Übernahmen und TV-Shows mit Lifestyle-Guru Martha Stewart gehören, und sein Einfluss auf seine Gemeinschaft gehören zu den Hauptgründen, warum er über drei Jahrzehnte hinweg kulturelle Relevanz bewahrt hat.

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Während die Liste seiner musikalischen Erfolge atemberaubend ist, liegt Snoops größter Beitrag zum Hip-Hop in seiner Fähigkeit, Elemente seines Lebens authentisch in nichtmusikalische Räume zu übertragen. Indem der legendäre Rapper einfach sich selbst treu blieb, hat er dazu beigetragen, Hip-Hop als Kunstform mit globaler Wirkung und Anerkennung weiter zu legitimieren und gleichzeitig die Musikindustrie und Menschen über internationale Grenzen hinweg zu beeinflussen.

Und sogar in der englischen Sprache hat er seine Spuren hinterlassen. Mit seinem charakteristischen „izzle“-Stil (z. B. „fo shizzle“ bedeutet „sicher“), der seinen Ursprung in Nordkalifornien hat und durch Rap-Acts aus der Bay Area wie E-40 und 3X Krazy populär gemacht wurde, hat Snoop eine Menge eingängiger und eingängiger Songs geschaffen einprägsame Sätze. Diese Entwicklung der Rap-„Sprache“ trug dazu bei, unterschiedliche Rap-Stile zu erneuern und festigte seinen Platz als evolutionäre Ikone. – Desiree Bowie

Soulja Boy hat mit seiner allerersten Single die Hip-Hop-Kultur nachhaltig geprägt. Als einer der ersten in einer Welle von Künstlern, die die Internetkultur nutzten, um sich direkt an ihre Fans zu vermarkten, schuf der gebürtige Chicagoer mit „Crank That (Soulja Boy)“ die erste echte Rap-Sensation im Internet. Der Song – angetrieben von einfachen Texten, einem eingängigen Beat und einer unausweichlichen Hookline – verbreitete sich durch seinen komplementären viralen Tanz im gesamten globalen Internet. Indem Soulja Boy die Label-zu-Publikum-Pipeline unterwanderte, nutzte er Tools wie YouTube und MySpace, um seine Popularität zu steigern und direkt mit neuen Hörern in Kontakt zu treten. Millionen sahen sich das Musikvideo zu dem Lied auf YouTube an, wo es bisher mehr als 556 Millionen Aufrufe verzeichnete, und teilten es weithin in den sozialen Medien.

Die innovative Formel funktionierte: „Crank That (Soulja Boy)“ führte mehrere Wochen lang die Billboard Hot 100-Charts an, stellte mit mehr als 3 Millionen verkauften Einheiten einen Rekord für die meisten digitalen Downloads aller Zeiten auf und sicherte sich eine GRAMMY-Nominierung für den besten Rap-Song die GRAMMYs 2008.

Soulja Boy bewies, dass One-Hit-Wonder-Neinsager eines Besseren belehrt wurden. Sein zweites Album, iSouljaBoyTellem, lieferte Klassiker der 2000er-Jahre wie „Kiss Me Thru the Phone“ featuring Sammie und „Turn My Swag On“, während seine Grassroots-Taktik eine neue Ära des Fan-Engagements und nutzergenerierter Inhalte einläutete und eine Formel schuf, die noch immer angewendet wird von internetaffinen Künstlern der nächsten Generation wie Lil Nas X und der gesamten Musikindustrie, um heute Hip-Hop-Hits zu vermarkten. – Victoria Moorwood

Der aus Virginia stammende Timbaland verbrachte Mitte bis Ende der 90er Jahre damit, einen experimentellen Sound zu kultivieren, der futuristische Drum-Patterns mit einzigartigen Sampling-Techniken verband. Als er nicht gerade für R&B-Künstler wie Aaliyah und Ginuwine klangliche Grenzen auslotete, bewies der vierfache GRAMMY-Gewinner, dass seine Kreativität auch auf Hip-Hop übergreifen kann.

Es gibt kein besseres Beispiel als seine legendäre Serie genresprengender Alben, die für die Pionierin Missy Elliott aus Virginia produziert wurden, darunter Supa Dupa Fly, Da Real World, Miss E… So Addictive und Under Construction. Dank seiner Produktionsarbeit am Hip-Hop/Bluegrass-Fusion-Album Deliverance von Bubba Sparxxx trug Timbaland sogar zur Einführung des Country-Rap-Subgenres bei. Schließlich expandierte er weit über Genres hinweg und schuf Megahits mit Popkünstlern von Nelly Furtado bis Justin Timberlake. Zwischen dieser Zeit arbeitete er weiterhin mit legendären Rappern zusammen, darunter LL Cool J, Jay-Z, Snoop Dogg, Ludacris, Lil' Kim und vielen mehr.

Im Laufe der Jahre hat er an mehreren klassischen Alben gearbeitet, die für den GRAMMY als Album des Jahres nominiert wurden, darunter Beyoncé, Timberlakes Justified und FutureSex/LoveSounds, The Diary Of Alicia Keys und Elliotts Under Construction. Timbaland wurde außerdem bei den GRAMMYs 2008 als Produzent des Jahres, nicht-klassisch, nominiert.

Jetzt macht Timbaland über seinen BeatClub-Service aufstrebenden Künstlern und Produzenten hochwertige Produktionen leicht zugänglich und zeigt damit, wie unverzichtbar und generationenübergreifend der kreative Geist von Timothy Mosley für die Kultur ist. — Ural Garrett

Der Wu-Tang-Clan war eine der wegweisenden Rap-Gruppen, sowohl wegen ihrer Wirkung in der Kabine als auch im Sitzungssaal. Auf ihrem Debütalbum „Enter The 36 Chambers“ aus dem Jahr 1993 vereinte Superproduzent RZA neun der einzigartigsten Rap-Persönlichkeiten aller Zeiten zu einer blitzschnellen Explosion. Die Crew tauschte flinke Takte und Pro-Schwarz-Philosophien gegen eine widersprüchliche Kombination aus rauen Beats und Samples aus Martial-Arts-Filmen aus, wobei sich jede Stimme und jeder Reimstil völlig vom vorherigen unterschieden. Doch nach ihrem Aufruf zu den Waffen revolutionierten sie das Spiel mit ihren Geschäftsimperien: The Wu war die erste Gruppe, deren Mitglieder Soloverträge mit unterschiedlichen Labels unterzeichneten.

Von da an gaben sie dem Begriff „Teile und herrsche“ eine neue Bedeutung: RZA, GZA, Ol‘ Dirty Bastard, Inspectah Deck, Raekwon, U-God, Ghostface Killah, Method Man, Cappadonna und Masta Killa veröffentlichten jeweils Klassiker Im Laufe der Jahre hat er mehrere Rekorde aufgenommen, die sich alle unterschiedliche Plätze in der Rap Hall of Fame verdienten. In den folgenden Jahrzehnten kamen sie gelegentlich wieder zusammen, um die Magie der Gruppe auf neue und kreative Weise zu vervielfältigen.

Danach wurde das Ändern des Spiels einfach Teil des Wu-Tang-Clan-Spielbuchs. Modelinien, Videospiele, Fernsehsendungen – was auch immer, und die Wu haben es versucht und es wahrscheinlich überstanden. Im Jahr 2015 schufen sie „Once Upon A Time In Shaolin“, ein Einzelalbum, das in einer Auktion für mehr als 1 Million US-Dollar an einen Apothekenleiter verkauft wurde … bevor dieser verhaftet und inhaftiert wurde und die Platte von der Apotheke beschlagnahmt wurde Regierung dabei. Nun ja. Der Wu-Tang-Clan hat schon oft Geschichte geschrieben, und bevor alles gesagt und getan ist, werden sie es wahrscheinlich noch einmal tun. — William E. Ketchum III

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Nachfolgend finden Sie eine Liste von Künstlern, die wir zusätzlich zu den Künstlern in unserer Liste „50 Künstler, die den Rap verändert haben“ feiern möchten. Diese von unserem Branchengremium eingereichten ehrenvollen Erwähnungen haben den Hip-Hop auf unermessliche Weise beeinflusst.

Beastie Boys

Großes Ich

Großes Wortspiel

Busta Rhymes

Cardi B

DJ Premier

DJ Quik

DMX

Flüchtlinge

Geto Jungs

Großmeister-Fall

Die heißen Jungs

Hype Williams

Eiswürfel

J. Cole

Jugendlich

Kid Cudi

KRS-One

MC Lyte

Nelly

Prinz Paul

Königin Latifah

Roter Mann

Salt-N-Pepa

Schulisch D

Drei 6 Mafia

Twist

UGK

Ultramagnetische MCs

Wiz Khalifa

Die auf der GRAMMY.com-Liste „50 Artists Who Changed Rap“ aufgeführten Künstler wurden aus Künstlerbeiträgen zusammengestellt, die von einem Branchengremium aus Rap-Experten eingereicht wurden, darunter:

Andrew Barber, Inhaber, Fake Shore Drive

April Reign, Senior Advisor für Unterhaltung und Medien, Gauge

Carl Chery, Creative Director, Head of Urban, Spotify

Datwon Thomas, Chefredakteur, VIBE

Jeff Weiss, Herausgeber, Passion of the Weiss

Jeff und Eric Rosenthal, Miteigentümer, ItsTheReal

Justin Hunte, Music360-Journalist, BTSN

Justin Tinsley, leitender Sport- und Kulturreporter, Andscape

Kathy Iandoli, Autorin von „God Save The Queens: The Essential History of Women In Hip-Hop“ und Co-Autorin von „Lil“ Kims The Queen Bee“

Kevin L. Clark, Subject To Change LLC, Produzent / The Recording Academy/GRAMMY.com, Mitwirkender Autor

Mankaprr Conteh, Kulturjournalist und Mitarbeiter des Rolling Stone

Meka Udoh, Mitbegründerin der 2DopeBoyz / Ingrooves Music Group

Miles Marshall Lewis, Autor

Naima Cochrane, Musik- und Kulturjournalistin

Roderick Scott, Vizepräsident, Marketingstrategie, Republic Records

Shaheem Reid, legendärer Journalist

Shamira Ibrahim, Kulturautorin und Kritikerin

Shawn Setaro, freiberuflicher Autor und Podcaster

Sowmya Krishnamurthy, Autorin von „Fashion Killa: Wie Hip-Hop die High Fashion revolutionierte“

Ural Garrett, freiberuflicher Journalist

William E. Ketchum III, Musik- und Kulturjournalist

Yoh Phillips, Dokumentarfilmer/Musikjournalist, Rap Portraits

Zini Tahsini, Hip-Hop-Redaktionsprogrammierer, Apple Music

Die Liste der „50 Künstler, die den Rap verändert haben“ von GRAMMY.com wurde konzipiert und entwickelt von:

John Ochoa:Leitender Redakteur für digitale Medien bei der Recording Academy

Kevin L. Clark:langjähriger GRAMMY.com-Mitwirkender, Hip-Hop-Trendsetter, Drehbuchautor und Gründer von Love, Peace & Spades, einer eher fliegenden Spieleabendserie

Len Brown:Leitender Projektmanager für Auszeichnungen und Rap-, Reggae- und R&B-Genre-Manager für die Recording Academy

6 Künstler, die 2023 die Grenzen des Hip-Hop erweitern: Lil Yachty, McKinley Dixon, Princess Nokia und mehr

Video

Die Alternative-Rock-Band Locket aus Ontario liefert eine elektrisierende Darbietung von „Sonic Bloom“, der Lead-Single ihres kommenden Albums „Superluminal“.

In ihren Teenagerjahren verbrachte die Alternative-Rock-Band Locket aus Ontario ihre Nächte damit, lokale Punk- und Hardcore-Shows zu besuchen. Mehr als ein Jahrzehnt später lässt das Trio den Sound der Rockmusik der 90er und 2000er Jahre wieder aufleben, den sie schon immer liebten – und diese Nostalgie bricht aus ihrer neuen Single „Sonic Bloom“ hervor.

„Backflip, schwerelos durch den Raum/ Blumen über deinen Kopf geworfen, das ist wahr/ Dass ich voll dabei bin/ Es fühlt sich an, als würde man tiefer in dich hineinfallen, totale Klangblüte“, sagt Frontmann Brad Garcia über ein klassisches Punk-Gitarrenriff.

In dieser Folge von Press Play bietet Locket eine wirbelnde Darbietung von „Sonic Bloom“. Die Band spielt den Titel in einem Industriestudio, das mit Vintage-Dekor vollgestopft ist und eine ähnliche Energie hervorruft wie die magnetischen Garagenbands der 2000er Jahre.

„[Dieses Lied] ist ein Fest der Liebe, der Umarmung des Glücks und der Wertschätzung dessen, was wir haben“, sagte Garcia in einer Pressemitteilung. „Auf persönlicher Ebene ist es ein Liebesbrief an meine Frau, meine Freunde und diese Band.“

„Sonic Bloom“ ist die Lead-Single ihres kommenden Albums Superluminal, das am 10. November erscheint. Seitdem hat die Gruppe drei weitere Titel von Superluminal veröffentlicht: „Tear Me to Pieces“, „Rearview Memory“ und „Kilayear“.

Sehen Sie sich das Video oben an, um Lockets rockigen Auftritt von „Sonic Bloom“ zu hören, und besuchen Sie GRAMMY.com für weitere neue Folgen von Press Play.

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